PRETERITOPLUSCUANPERFECTO

2009-12-05T19:55:00.003-03:00

En este momento el blog está en el limbo (aunque Benedicto XVI diga que no existe más). No sabemos si va a volver de ahí. Estamos trabajando para que sea así.

El hombre equivocado.

Gente con la cabeza quemada por culpa del rock

2009-09-17T11:56:00.002-03:00

Back in business

2009-09-11T20:16:00.002-03:00

Después de casi cuatro meses vuelvo a escribir algo para el blog. Muchas cosas pasaron en el medio que me llevaron a abandonarlo tanto tiempo. Ahora que tengo un poco más de tiempo espero ser más constante y subir textos más seguido. Espero que les guste el texto sobre Mentiras piadosas.

Esta foto no tiene nada que hacer acá pero es genial y por eso la puse.

En lo profundo de la oscuridad (o en el seno de la familia)

2009-09-11T19:49:00.009-03:00

Al escribir sobre una película que esta basada en un cuento de Cortázar es inevitable hablar del propio Cortázar. No creo que esté mal hablar del texto en el que se basa la película pero el problema surge cuando uno no se acuerda como era el cuento del que se desprende el film. Confieso que antes de ver Mentiras piadosas no recordaba de qué se trataba el cuento La salud de los enfermos. Pensaba que era el mismo del que partió Antín para hacer La cifra impar. Siempre me sentí defraudado por Cortázar. Los cuentos empezaban atrapándome y cuando llegaba el final todo el interés se había ido. Lo que comenzaba con una atmósfera cotidiana pero enrarecida terminaba arruinado por un final que quería ser ingenioso pero resultaba tonto. Sin embargo hay un cuento que hasta el día de hoy me parece genial. El título es Después del almuerzo (está en Final del juego). Es un cuento muy raro en el que uno no termina de entender que es lo que sucede. Un niño es obligado por sus padres llevar de paseo a alguien pero no se sabe quien es ese alguien. Es como si Cortázar no pudiera nombrarlo y cualquier tipo de descripción que hiciera del personaje fuera insuficiente. Es un cuento que fracasa en su intento de describir lo cotidiano y eso lo convierte en interesante. El cuento no cierra y como no es posible comprenderlo totalmente se vuelve extraño. Se crea una atmósfera de oscuridad.
Esa oscuridad que esta en algunos cuentos de Cortázar esta también en la película de Sabanés. No se si es o no una adaptación fiel del cuento (como dije antes no me acuerdo bien del cuento) ni si tampoco hay referencias a otros cuentos de Cortázar como muchos críticos señalaron (lo que señalan sobre Casa tomada me parece absolutamente exagerado). Si puedo decir que la película toma un cuento para crear un film que vale la pena. La puesta en escena está cuidada al detalle. Todo transcurre en la casa y en el negocio de sombreros de la familia. La gran mayoría de los planos suelen ser planos que enmarcan a los personajes, que los encierran con la ayuda de la escenografía: el respaldo de la cama, los muebles, los marcos de las puertas, las lámparas se van multiplicando a lo largo de la película. Sin embargo tengo un reparo para con dos planos. No entiendo el porque del plano con el que inicia la película y que se repite al final. No le encuentro un sentido, lo veo como algo decorativo, una inutilidad narrativa (el concepto se lo robé a Diego Maté).
Mentiras piadosas relata la historia de una familia se fagocita así misma mientras intenta sobrevivir. Este es un tema recurrente en el cine nacional. Sabanés podría haber transitado el camino que recorrió Héctor Olivera en La nona y concebir un film burdo y lleno de subrayados pero eligió caminar más cerca de directores como Lucrecia Martel. Las familias que protagonizan los relatos de las distintas películas de Martel (aclaro que no vi La niña santa) y la que protagoniza este relato se asimilan. Lo primero que salta a la vista es la figura del padre ausente. En Mentiras Piadosas está muerto y en las películas de Martel son personajes sin peso, dubitativos, a la orden de un tercero. En La mujer sin cabeza el marido de Vero consultaba todo con el primo de su mujer y en La ciénaga el padre estaba siempre ebrio o ido. Estas familias se construyen alrededor de mujeres fuertes: la Madre, Mecha, Tía Lala. Habría que señalar también a la abuela que compone Lydia Lamaison que en su afán de controlarlo todo es capaz de envenenar a la mascota de sus nietos. También hay similitudes en la puesta en escena. Recuerdo que la tía Lala aparecía siempre enmarcada por el enorme respaldo de la cama y por esos antejos estrambóticos que usaba.

Por último me gustaría apuntar un par de cosas sobre el elenco. No soy de seguir actores, ninguno me despierta pasión (a excepción de los actores del Hollywood clásico) pero en este caso vale la pena. El elenco es brillante. Nunca había visto actuar a Marilú Marini. Es casi un mito del teatro y me daba a sospechar sin embargo compone a la madre de manera magistral. Esa sonrisa siempre pintada en la cara aún cuando por dentro siente ganas de putear es hipnótica. Del otro que dudaba por ser un “hombre de teatro” (premios imbéciles que reparte el gran diario argentino) era de Rubén Szuchmacher pero descubrí que es un actor brillante. El personaje que compone es siniestro y risible al mismo tiempo. Los actores que interpretan a los tíos están entre los mejores actores que vi en años. Finalmente voy a hablar de Víctor Laplace, un actor al que detesto y nunca le creo nada (menos aún como director), pero que en esta oportunidad está bien.
Una película que no es arruinada por Víctor Laplace merece ser vista.

El hombre equivocado

Mentiras piadosas
Argentina, 2008
Guión y Dirección: Diego Sabanés
Dirección de fotografía: Julián Elizalde
Dirección de Arte: Juan Mario Roust
Montaje: Alberto Ponce
Sonido: Guido Beremblum
Música: Rudy Gnutti
Producción: Benjamín Ávila, Diego Sabanés, Maximiliano DuBois
Elenco: Marilú Marini, Claudio Tolcachir, Paula Ransemberg, Walter Quiroz, Hugo Álvarez, Claudia Cantero, Verónica Pelaccini, Lydia Lamaison, Rubén Szuchmacher, Víctor Laplace.

IMPORTANTE

2009-05-16T00:06:00.003-03:00

Las mejores frases de la historia del cine

2009-05-15T23:28:00.009-03:00

Con este post inauguro una nueva sección. No esperen continuidad. Aparecerá cuando considere que tengo algo interesante para subir y cuando me de el tiempo.

Sofía: ¿Te gusta esa canción?
Pedro: (duda) Sí, hace mucho que no la escucho ¿Por?
Sofía: Porque es de esas canciones que a todo el mundo le gustan, pero nadie se anima a decirlo. Yo no tengo problema en confesar que me gusta.
Pedro: Yo tampoco tengo problema en confesar las cosas que me gustan.
Sofía: ¿A sí?
Pedro: Sí
(Pedro le da un beso en la boca a Sofía)

Diálogo final de El Amor (Primera Parte) (Argentina, 2004)

El hombre equivocado

El ochentoso de la semana 3

2009-04-22T22:19:00.005-03:00

Los años ochenta no le sentaron muy bien a Jethro Tull (los noventa tampoco). Son una banda que no se llevó muy bien con la new wave. No porque la odiaran sino porque no pudieron incorporar las innovaciones que los muchachos nuevaoleros trajeron. Y eso que lo intentaron. En 1980 editaron A un disco a mi entender muy malo. Demasiado sintetizador en una banda que los supo usar de maravillas (Songs from the woods, 1977). Jethro Tull entendió que esa no era su onda y le dijo adiós al tecladista Eddie Jobson (Muy buen tecladista por cierto. Recomiendo al grupo UK a cualquier fan del rock progresivo). En 1987 editaron Crest of a Knave quizás su mejor disco de esa década. En ese disco el piano y los teclados los toca el propio Anderson. Ahí se encontraba un tema que ya es un clásico en las representaciones de la banda. El ya legendario: Budapest. Todos los DVD o CD en vivo de la banda que registran recitales posteriores a la salida de ese disco lo tienen. Cuando vinieron acá en el 2004 hicieron una versión hermosa de la canción con un Ian Anderson inspiradísmo. Más bella aún fue la versión que hizo Anderson ya en plan "solista" cuando se presentó con una orquesta sinfónica en el 2005. La versión que está en el video es de un recital en Atenas en 1991 y deja ver todo el esplendor de la banda cuando todavía no se habían cortado el pelo.

El hombre equivocado

Viejo Rebelde

2009-04-19T23:09:00.010-03:00

Este año el cine francés viene entregando varias obras maestras (Las horas del verano, Entre los muros) y promete varias más (Une conte de Noël). Una de ellas se estrenó hace un par de semanas y se trata de uno de los últimos opus del porlífico Manoel de Oliveira, Belle Toujours.

La creencia popular dictamina que cuantos más años se cumplen, mayor es el deterioro, tanto físico, como mental, como espiritual. Eso puede contar para la mayoría de nosotros pero no para Henri Husson (Michel Picoli).
Hay que reconocer que Henri está más gordo y más canoso (pelado estuvo siempre). Sin embargo la mirada de Henri sigue siendo la de un pícaro perverso e irresistible. Tanto que dos putas se la pasan intentando levantárselo durante parte del film y un barman se queda totalmente embobado por las anécdotas que este le cuenta. Sigue tan vital como siempre como para recorrer toda París en busca de una vieja conocida.
Sin embargo Séverine, la vieja conocida, esta cambiada. No solo porque cambió la actriz que la interpreta sino que tiene un aire distinto. (Antes Catherine Deneuve y ahora Bulle Ogier). Esta igual de bella que siempre pero amargada, parca, abatida. Como si durante estos 40 años hubiera acarreado un peso que nunca se pudo sacar de encima.
Haciendo una comparación odiosa (y quizás un poco forzada) se podría decir que Henri es el alter ego del portugués. Los dos parecen estar más allá de todo. Henri vive a contramano de la moral burguesa. Es soltero, mujeriego, alcohólico y le importa muy poco el mundo que lo rodea al punto de rechazar muy sutilmente, como el caballero que es, el afecto de las putas antes mencionadas. De Oliveira filma absolutamente sin importarle el mundo que lo rodea (lo que lo acerca a Henri). En especial el mundo del cine. Filmar una continuación (que no es tal) del Belle de Jour presentaba el problema de partir de una obra con su propio peso. De Oliveira decidió filmar en dirección opuesta a Buñuel y dejar que los personajes pudieran crear un universo nuevo alejado de la obra del aragonés.

La película gira sobre dos enigmas. Durante la primera mitad de la película el enigma a resolver es si Henri va a encontrar a Séverine luego de haberle perdido el rastro en una función en la opera. Resuelto el primer enigma, con el encuentro en la puerta de una galería, se da paso al segundo. Como se sabe (o no, sino se vio Belle de Jour) Henri era el mejor amigo del marido de Séverine y estaba al tanto de las perversiones de la mujer de su amigo. Henri está desesperado por volver a Séverine y la invita a cenar, pero ella solo acepta con la condición de que Henri le responda algo que la viene afectando hace tiempo. Hace 40 años. Séverine quiere saber si Henri alguna vez le contó a su marido sobre la vida paralela que ella llevaba.
Henri durante toda la cena evita hablar del tema y se dedica a seducir a Séverine. Sabe que no lo va a lograr, que Séverine nunca accedería a tener algo con el, pero lo hace solo por el placer que le provoca cortejarla. Durante la última parte del film se dedica a provocarla hasta que ella indignada por la falta de respuestas y la lascivia de Henri se para violentamente y se va. Y es ahí donde Henri estalla de excitación. Así como Séverine disfrutaba del masoquismo, Henri goza con el sufrimiento ajeno, con la humillación, con tener el poder.
A diferencia del primer enigma, el segundo no se resuelve. Pero acá no importa. Si nos enteráramos de la verdad, las dos películas perderían el encanto que tienen. El misterio que envuelve a la historia de estos dos viejos se desvanecería y estaríamos ante una película rutinaria, un poco distinta, pero con un final rutinario y decepcionante.
Celebremos entonces que no se haya resuelto el misterio y hagamos votos para que Séverine y Henri se vuelvan a encontrar alguna vez más.

El hombre equivocado

El ochentoso de la semana 2

2009-04-15T20:23:00.007-03:00

Las últimas dos semanas fueron medio complicadas y no pude subir el ochentoso de la semana. Acá les dejo el de esta semana. Esta vez es un reconocido grupo local con un gran frontman: el inigualable Miguel Abuelo.

El año pasado en el blog puan frances a raíz de los 20 años que se cumplían de la muerte de Miguel Abuelo escribí lo que sigue. Lo publico con un par de correcciones.

20 AÑOS SIN EL MARINERO BENGALÍ

Ayer en el laburo leía el diario de Lanata y descubrí una nota de Marcelo Fernández Bitar. La nota decía que se cumplían 20 años de la muerte de Miguel Abuelo. Me invadió una gran tristeza. Los Abuelos De La Nada fueron mi entrada al rock nacional (vocablo horrendo). Los conocí a través de un casette que me había grabado el chofer del micro de mi colegio primario. (Así conocí también Alta Suciedad de Calamaro pero nunca caló tan hondo en mi como Los Abuelos). Lo gaste de una manera increíble a ese casette. Creo que todavía lo tengo.
Los abuelos eran para mi como un refugio. Nadie compartía mis gustos en el colegio primario. Debería esperar el secundario para encontrar a alguien que me dijera que conocía a Los abuelos y que tenía sus cinco discos. Los abuelos eran fiesta. Escuchar No se Desesperen o Lunes por la madrugada me provocaba una satisfacción descomunal. En esa época todavía me gustaban los temas de Calamaro que más difusión tuvieron. Hoy en día disfruto más de temas como Levantando temperatura, En Línea u el incomprendido Hombre Lobo.

Cuando Miguel Abuelo volvió de España venía con una idea fija en la cabeza. Cambiarle la cara de culo al rock. Ese rock aburrido, apesadumbrado, lleno de guitarras acústicas. Y lo hizo. Ahí esta Miguel en Mundos Inmundos gritando “Y bailen y salten” con silbatos y saxos de fondo. Y uno no puedo hacer otra cosa que levantarse de la silla y saltar y bailar a lo loco. Los temas que Abuelo compuso y cambiaron al rock son muchos pero ahora me vienen a la mente Medita sol, No te enamores nunca de aquel marinero bengalí, Guindilla Ardiente, Hermana Teresa. Uno mejor que el otro. Uno más alegre que el otro.
El 88 fue un año nefasto. No solo el rock perdió a Abuelo, sino que en diciembre falleció el cantante de banda de rock más jugada, mas loca, más irónica, y más sofisticada que tuvo la Argentina. Me refiero a Federico Moura, cantante de Virus. Un año antes se había muerto Luca Prodan. Así desaparecía una manera de concebir el rock. La alegría y la locura que había impregnado el rock en esa época se desvanecía. Aparecían bandas nuevas con letras más oscuras como Don Cornelio y La Zona, quizás la mejor banda de esa época. Todas las otras bandas contemporáneas a Los Abuelos terminarían cambiando su concepción musical o desaparecerían.

Cuando empecé a interesarme por la música no me gustaba una puta banda que anduviera dando vueltas por ahí. No me gustaba La renga, ni Berusit Vergarabat, ni Los Piojos. Y ahí aparecieron Los Abuelos. Los abuelos fueron (y son) muy importantes para mi. Los abuelos me ayudaron a ser el distinto. Y a sentirme orgulloso de ser el distinto. Nadie los escuchaba cuando yo los escuchaba. O no los escuchaban como yo los escuchaba. Ayer cuando leía la nota me puse muy triste. Y creo que la mejor manera de homenajear a Miguel Abuelo es decirle (aunque no me escuche) lo mucho que significa en mi vida.

El hombre equivocado

BAFICI 2009

2009-03-29T13:49:00.013-03:00

Los jóvenes viejos

Desde el jueves que estoy yendo al festival pero recién ahora me agarraron ganas de escribir algo.
La primera película que vi fue el documental Pizza in Auschwitz que es el registro del viaje que hace un sobreviviente de Auschwitz de regreso al campo en donde estuvo detenido. El viaje lo realiza con sus dos hijos. Primero van a su país natal, Lituania, en donde les narra a sus hijos como fue que fueron llevados a los campos. Después de varias paradas en las que se suscitan muchas discusiones entre el viejo y su hija sobre la utilidad del viaje llegan a Auschwitz en donde el viejo tiene una discusión (de las mil que hay) con una de las autoridades del lugar. La pasión con que el discute y la tenacidad con que defiende sus argumentos no las vi en ninguna de todas las películas que vi hasta ahora.
Pizza in Auschwitz a pesar de ser una película cuyo eje es la vista a campo de concentración es una película llena de vida. Es una película en la que todos están dispuestos a pelear por lo creen que es lo correcto. Es una película en donde la vejez y la muerte no son un peso, ni un miedo. Como también lo es Arroz con leche.
En Arroz con leche Jorge Polaco cuenta la historia de amor entre dos viejos. La película esta llena de imágenes que parecen ridículas pero que dentro del universo de polaco se justifican. El cine de polaco es un cine infante. Es como un juego de chicos en donde las reglas no existen, en donde todo es posible. Es donde lo burdo se funde con lo sensible.
A diferencia de Viaje por el cuerpo la película anterior de Polaco esta una película llena de colores mientras que aquella era un film en donde los colores eran amarronados, ocres, otoñales (o por lo menos yo la recuerdo así).
Ver a una anciana vestida de bailarina jugando arriba de andamio no es un imagen humillante (como las hubo en otras películas) sino todo lo contrario. En la muestra de que, como dijo uno de los espectadores en la charla con Polaco, con la vejez empieza una segunda vida. Es seguir siendo igual de jóvenes y de fuertes como antes. O incluso más. Y poder seguir realizando sueños. Como lo realiza la madre superiora al final de la película.

I just write to say I hate you

Blind pig who wants to fly no solo tiene la reseña más idiota de todo el catálogo del BAFICI (si no me creen pueden entras acá) sino que encima es una película de mierda. Es lisa y llanamente una basura. No es nada de todo lo que dicen por ahí. No es ni política, ni onírica, ni surrealista, ni nada. Solo es un montón de cuadros un al ladito del otro unidos por una supuesta lógica que vaya a saber uno cual es. Intenta ser política y se queda a mitad de camino. Quiere ser muchas cosas y no logra ninguna. Si logra ser insoportable y solo en 1 hora y 17 minutos.
Encima el director se da el lujo de filmar una escena de sexo como si solo fuera un mero intercambio de favores, como si el placer en el sexo no existiera. Ya no me importa que los personajes sean homosexuales y se descrea de la posibilidad del disfrute en el sexo anal. Me rompe mucho las pelotas que el personaje que es penetrado sea humillado. No se contempla nunca la posibilidad de esta bueno que te culeen. NUNCA. Si uno entrega es porque no le queda otra. Es porque es la paga por un favor. Y la escena de la acabada es detestable.
Por culpa de este bodrio me perdí la otra película que quería ver porque la proyección empezó 20 minutos tarde y el muy ganso del director en el presentación tiró la frase más demagógica que escuche hasta ahora en cinco años de asistir al festival: “Hoy el cine le ganó al football”. Si claro, el cine la ganó al football.

Me enamoré

The man who loved Yngve no es una gran película. Ni siquiera podría decir que esta bien. Creo que es una película con buenas intenciones pero bastante fallida. Fallida porque usa mal la música que elige y elige canciones ya muuuuy trilladas (otra película en donde suena Love will tear us apart). Lamentablemente recurre al suicidio cuando se da un amor no correspondido.
Sin embargo creo que tiene sus cosas a favor. Es una película que no muestras cuerpos esculturales. Son cuerpos no trabajados. No depilados. El colorado que protagoniza la película es un adolescente al que recién le esta saliendo pecho en el pelo. No es poca cosa, en medio de tanta estandarización del cuerpo masculino, que se muestre a un pibe con vellos en pecho.
Aunque yo no le preste mucha atención al colorado. No me pude resistir a los encantos de Yngve (al igual que el colorado). Ese chico que juega al tenis, le gusta encontrar figuras en las nubes y escucha a Japan. Sin lugar a dudas me enamoré. Lo cual confirmaría una sospecha que tengo hace mucho tiempo: me atrae Jon Heder que es muy parecido a Yngve. Pero a Yngve lo parto como a un queso.

Boicot

Estoy convencido que quieren boicotear la retrospectiva de los Straub. Los horarios son horribles y los subtítulos fallan todo el tiempo. No reconciliados se vio sin subtítulos (y en una copia de mierda) y en Il ritorno del figlio prodigo-Umiliati fallaron durante los primeros veinte minutos. No importa que Tag Gallagher diga que lo que nos debería importar es la sonoridad. Si yo solo escucho gritos o gente hablando bajito y no se de que hablan no entiendo el porque hablan así. La falta de subtítulos realmente perturba la visión de una película.

Invadido por una ira asesina

En la proyección de Il ritorno del figlio prodigo-Umiliati estuvo Tag Gallagher para hacer una breve introducción. Gallagher es un crítico de cine norteamericano que vino a dar una charla sobre el cine de los Straub. Cuando presentó la película explicó porque la película estaba filmada en esa locación e hizo un breve resumen argumental. Cuando hablo de las locaciones dijo que el lugar en donde estaban filmadas era para los Straub lo que Monument Valley era para John Ford. A lo que la traductora dijo:

Los Straub consideran a estos lugares “monumentos valiosos”

1 - ¿Cómo se puede ser tan hija de puta de decir que valley significa valioso? ¿De verdad sabés inglés?
2 - ¿Cómo se puede ser tan hijo de puta de no contratar una traductora que entienda algo de cine? ¿Es mucho pedir? Si yo no conociera la obra de John Ford no hubiera entendido lo que dijo Tag Gallagher y me hubiera quedado con lo que dijo la boluda-traductora. ¿Cuánta gente conoce la obra de John Ford? ¿Cuánta gente verdaderamente entendió lo que el pelilargo norteamericano quiso decir?

Obra maestra

Les Amours d'Astrée et de Céladon es por sobre todas las cosas una película bella.
Inspirado en una novela de más de 5.000 páginas del siglo XVII de Honoré d’Urfe, sobre una historia de amor que transcurre en el siglo V y cuyos personajes son ninfas, druidas y pastores, Rohmer filmó su última película. Me atrevo a decir que es una de sus mejores películas junto con La mujer del aviador y La rodilla de Clara. A diferencia de sus dos películas anteriores no recurre ni a una ambientación realista-artificiosa como en La dama y el duque ni a una reproducción casi detallista como en Triple Agente. El trabajo en la ambientación es similar al de El caballero de Lech Majewski en donde se reproducía la concepción pictórica de la época. Rohmer casi no mueve la cámara en esta película. En films anteriores como Las noches de luna llena o La mujer del aviador Rohmer seguía los devaneos de los personajes con la cámara. Los personajes iban de aquí para allá. Caminaban sin parar. Sin embargo esta vez la cámara esta quieta pero la puesta no resulta estática sino todo lo contrario. Es una película muy dinámica.
Rohmer logra contar una vez más una hermosa historia de amor en donde se dan una serie de malos entendidos que retrasan la unión de los enamorados y en donde se debate todo el tiempo sobre el amor. Al igual que en La rodilla de Clara dos personajes mantiene discusiones sobre el verdadero significado del amor, solo que en esta nueva película del francés el final es mucho menos amargo.
La película esta llena de momentos de humor encarnados en el personaje del juglar que todo el tiempo defiende se burla despiadadamente de quienes creen en la fidelidad y el amor eterno. Es un personaje lleno de vida que contagia toda esa vitalidad al resto de la película, hasta a personajes más bien lúgubres como el hermano de Celadon.
La escena del travestimiento también es muy graciosa sin llegar a lo ridículo como sostenían un montón de imbéciles durante la proyección (¿Si la película no te gusta, no es más fácil pararte e irte?). Lamentablemente los imbéciles que desconocen lo que verdaderamente es el cine abundan entre las filas de espectadores del BAFICI.

Rescates Argentinos

Lo mejor que tiene el BAFICI es que programa clásicos recuperados. El año pasado proyectaron una mediocre copia de la sublime Yo camine con un zombie pero con el nombre cambiado, Yo dormí con un fantasma (¿Qué fuman en APROCINAIN?). Años anteriores se pudieron filmes de Ricardo Freda, Budd Boetticher y Carl T. Dreyer. También se recuperan copias de filmes argentinos o dirigidos por argentinos como fue el caso de La nieve estaba sucia, dirigida por Luis Saslavsky, el año pasado.
Este año se pudo ver un corto de José Agustín Ferreyra titulado La vuelta al bulín. La película cuenta la historia de amor entre una mujer y un payador y las idas y vueltas de la pareja. Los roles parecen estar invertidos, ella es la que manda y el acata las órdenes. La película tiene un argumento muy influenciado por sainetes como por ejemplo Fumadas (1902) de Enrique Buttaro. No soy un experto en cine mudo pero al ver el corto tenía la sensación de que si bien había una puesta en escena trabajada había un excesivo uso de los intertítulos (muy influidos por un lenguaje tanguero). Es de 1926 y si uno compara el corto con las películas que ya se hacían en ese momento fuera del país pareciera que es un poco rústico.
En conjunto con el corto de Ferreyra se pudo ver Una mujer de la calle de Luis Moglia Barth, quien también dirigió durante el período mudo. La película es de 1939 y cuenta la historia de una mujer que luego de escapar del hogar familiar vuelve a el huyendo del hampa para encontrarse con que las cosas ya no son como antes. Es cierto que la película esta llena de clichés y que las actuaciones del cine argentino de aquellos años no son las mejores, sin embargo la película tiene muchos elementos a rescatar.
En principio hay que destacar la dirección de Moglia Barth. La puesta en escena esta cuidada al detalle. La película se inicia con un travelling lateral que describe el barrio para luego cortar a pequeñas viñetas en donde se describe la vida cotidiana. Los planos en general son planos abiertos en donde interactúan los personajes y la cámara se desplaza mínimamente a excepción de un cortísimo plano secuencia en donde la cámara hace varios giros y paneos. La narración no decae nunca y se mantiene la tensión durante la hora y veinte minutos que dura.
A pesar de ser un melodrama esta llena de momentos cómicos encarnados en personajes secundarios. También se puede ver en este film la influencia del sainete encarnada en el personaje del zapatero italiano y su castellano mal hablado que siempre lo mete en problemas.

TOP 5

1 – Les Amours d'Astrée et de Céladon (Eric Rohmer)
2 – Class Relations (Danièle Huillet/Jean-Marie Straub)
3 – Arroz con leche (Jorge Polaco)
4 – Aquele querido mes de agosto (Manuel Gomes)
5 – Il Divo (Paolo Sorrentino)

Mención: Rosa Patria (Santiago Loza)

El hombre equivocado

El ochentoso de la semana

2009-03-23T19:51:00.005-03:00

Hoy inauguro esta sección en donde todas las semanas voy a subir un video de alguna canción de los años ochenta. Trataré de no ser obvio en la elección y de ser lo más amplio posible. No se si lo lograré.

Yazoo es un duo de electropop inglés formado por Alison Mollet y Vince Clarke (que formó parte de Depeche Mode). Lamentablemente no es una banda muy conocida. Sino fuera por su tema Don´t go para la mayor del público serían completamente desconocidos. Nadie los menciona cuando se empieza a hablar de música pop cercana a la electrónica. Siempre se menciona a Erasure (grupo que formó Clarke después de la separación de Yazoo), Pet Shop Boys, OMD o Ultravox. Yazoo tiene solo dos discos. El primero se llama Upstairs at Eric’s y contiene el mencionado Don´t go y el tema que hoy forma parte de esta sección: Only You. El segundo disco se llama You and Me Both. Luego de este disco se separaron. También compusieron la excelente cortina musical de una serie de televisión llamada Chinese Detective.
Only You es algo así como una balada electrónica. Es una canción que va repitiendo las mismas notas pero las va alternando. La voz aguardentosa de la cantante convierte a la canción en un lamento. Un lamento por un amor perdido. El zoquete de Enrique Iglesias con su voz sesiona y de pito arruinó esta hermosa canción en un cover que hizo allá por los noventa.

El disco del año

2009-03-22T12:50:00.007-03:00

Volví después de dos meses. En estos dos meses se estrenaron muchas películas. Algunas me gustaron otras no pero ninguna me dio ganas de escribir. Pero apareció Years of Refusal el último de Morrissey y la emoción fue tal que acá estoy escribiendo de vuelta.

No me importa que discos vayan a salir de acá a fin de año, no me importa que bandas vengan a tocar (¡DEATH TO RADIOHEAD!), no me importa que festival de rock auspiciado por vaya a saber que marca inventen, el acontecimiento musical del año es sin lugar a dudad el último disco de Morrissey.
El disco empieza bien alto con Something is squeezing my skull y no decae nunca. Ya la primera canción contiene no solo uno de los riffs de guitarras más potentes y que invitan automáticamente al baile sino que también tiene una de esas frases marca Morrisey: “There is no love in modern life”. ¿Es acaso esta otra de esas canciones de Morrissey en donde se lamenta porque el amor le esquivo? Y sí. ¿Pero por qué debería de hablar de otra cosa? Siempre hablo de eso y lo va a seguir haciendo. Pero lo que convierte a Morrisey en un genio es que siempre habla de lo mismo pero logra encontrarle la vuelta para que se vea como nuevo.
El año pasado el acontecimiento roquero también estuvo a principios de año. El recital de Bob Dylan. Me acuerdo de haber con mi viejo y que el se quejaba porque no había podido reconocer ni una sola de las canciones que había tocado Dylan. A lo que yo le conteste que lo mejor que tenía Dylan era justamente eso. Cuando comezó el recital costaba reconocer que estaba tocando Rainy Day Woman pero en cuanto uno reconocía la canción se daba cuenta de que estaba escuchando a un tipo preocupado por retrabajar los materiales con los que trabaja. Esto hace que Dylan y Morrissey estén emparentados. Y pasando de un dispositivo al otro (¡Un saludo para Oscar Traversa!) con David Cronenberg. Ayer vi eXistenZ por primera vez y no pude evitar relacionarla con Cuerpos Invadidos y pensaba que Cronenberg había logrado una nueva obra maestra a partir de una de sus viejas películas (tan buena como la nueva).
El disco tiene 11 canciones aparte de la ya mencionada Something is squeezing my skull. Entre ellas está I’m throwing my armas arround Paris que es una canción hermana de You have killed me y por que no también de Everyday is like Sunday. Hay algo que las une y creo que son esos arreglos “orquestales” (a falta de una mejor palabra. Hablar de arreglos orquestales hoy en día en el rock es ya un cliché). Arreglos que me hacen acordar al Bowie de Time (Alladin Sane) o Five Years (Ziggy Stardust).
All you need is me y That’s how people grow up son canciones que ya se pasaron por las radios. Por lo menos Kabul las pasaba. Son ese tipo de canciones que uno se aprende la letra al toque y no puede hacer otra cosa que cantarlas durante semanas. Son puntos muy altos del disco pero las palmas se las lleva It’s not your birthdate any more. Es imposible no emocionarse con esa canción. La emoción con la que canta esa canción conmueve hasta las lágrimas. Además tiene una declaración de amor que nadie en toda la historia de la poesía romántica ha logrado escribir (¡Fuck you Neruda!): “All the gifts that they gave can't compare in any way to the love I am now giving to you right here right now on the floor”.
También es imposible no saltar cuando se escucha I’m OK by Myself (¡Ese bajo!) que es pura emoción punk.
¡Morrissey no te mueras nunca! I’m gonna miss when you are gone.

El hombre equivocado

Years of refusal (2009)
Grabación: Londres 2007
Sello: Decca/Polydor(UK); Attack/Lost Highway (US)
Producción: Jerry Finn
Ingeniero: Seth Waldmann
Fotografía: Jake Walters (tapa); Travis Shinn
Personal: Morrissey; Boz Boorer; Jesse Tobias; Solomon Walker; Matt Walker; Roger Joseph Manning Jr.; Mark Isham; Jeff Beck; Michael Farrell; Kristopher Pooley; Kristeen Young; Chrissie Hynde

Un video de Something is squeezing my skull

Top Ten

2009-01-10T13:32:00.013-02:00

Tarde pero seguro. Esta es la lista de las mejores películas de 2008 y abajo una pequeña explicación de los votos y como siempre alguna que otra queja.

10 – MAMMA MIA!: LA PELÍCULA (Phyllida Lloyd)

9 – EL CORAZÓN ES ENGAÑOSO, POR SOBRE TODAS LAS COSAS (Asia Argento)

8 – MI HERMANO ES HIJO ÚNICO (Danielle Luchetti)

7 – EL HOMBRE ROBADO (Matías Piñeiro)

6 – EXPIACIÓN, DESEO Y PECADO (Joe Wright)

5 – HISTORIAS EXTRAORDINARIAS (Mariano LLinás)

4 – BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE (Christopher Nolan)

3 – PARANOID PARK (Gus Van Sant)

2 – LA MUJER SIN CABEZA (Lucrecia Martel)

1 – NATURALEZA MUERTA (Jia Zhang-Ke)

Si alguien leyera mi lista de las diez mejores películas del 2008 muy probablemente dijera que estoy loco, que no entiendo nada de cine. No voté como mejor película del año ni a Shara, que ni siquiera figura en la lista, ni a Batman: el caballero de la noche, ni a Historias Extraordinarias. Estas son las únicas tres películas de las cuales se hablo mucho durante el año y hasta se podría decir que hubo unanimidad (sacándolo a Oscar Cuervo que dice que Shara está sobrevalorada, afirmación que comparto) en la crítica. Si uno lee el último número de El Amante puede ver que eligieron como la mejor película del año a Historias Extraordinarias. La película de Llinás es una obra maestra, no lo voy a negar, de hecho figura en mi lista pero en mi opinión le falta algo. No sé que es ese algo. Disfruté mucho de la película. Ver una película de cuatro horas en un cine es una experiencia avasallante y más cuando lo que se está viendo es algo absolutamente atrapante. Y si bien salí extasiado del MALBA no logró llegarme como me llegó La mujer sin cabeza. Sobre la película de Lucrecia Martel ya escribí. Después de Leonardo Favio, Martel es lo mejor que dio el cine argentino.
A principio de año se estrenó El hombre robado, una de las mejores películas argentinas de los últimos años. ¿Alguién se acordó de ella para el balance de fin de año? La vota David Obarrio en Cinerama. Hay una mención mínima en el blog de D’Espósito pero la revista para la que el escribe ni la recuerda exceptuando a Guido Segal. Eso sí se acordaron de Soy leyenda que se estrenó más o menos para esa época, que la verdad es una película del montón. Entretenida pero del montón. Como Hancock y Meteoro. Bah, Hancock, en realidad es un fiasco.
Hay películas que se quedaron afuera que me gustaron muhco. Una de ellas es: La escafandra y la mariposa y la otra es Aniceto. Si, Aniceto se quedó afuera por culpa de Mamma Mia!: La película pero todo tiene una explicación. La película de Favio es genial pero el musical con temas de ABBA me llegó al corazón. Fue una película bastante vapuleada pero creo que es un producto bastante digno. Descreo de los que afirman que es una película estática. Es todo lo contrario.
Hubo algunas películas que pasaron muy desapercibidas pero que a mi me gustaron mucho. Es el caso de Mi hermano es hijo único, Expiación, deseo y pecado y El corazón es engañoso, por sobre todas las cosas. Sobre la película de Argento ya escribí no voy a andar repitiendo lo mismo. La película de Joe Wright la disfruté mucho. La imaginería visual de la película es apabullante. Cuando recién se estrenó Javier Diz, de Los Inrockuptibles, decía en el programa de Juan Di Natale que la película se iba al carajo. Nada más alejado de la realidad. Es un melodrama hecho y derecho con una puesta en escena perfecta y una imagen increíble. La película de Luchetti me gustó porque es de esas películas que nunca se filmaron en Argentina. Cuando se trató de contar historias que transcurrieran en la dictadura se cayó siempre en el maniqueísmo. Luchetti lo evita completamente al contar su historia de dos hermanos enfrentados, una comunista y el otro fachista.
Así como hay películas que te sorprenden hay películas que te desilusionan. Las palmas de la desilusión se las llevan los hermanos Coen. No una sino dos películas que son un fiasco. Sobre todo Quémese después de leerse. Los Coen han demostrado que pueden hacer grande comedias, El amor cuesta caro y las más lejana El gran Lebowski, son la prueba de ello, pero esta película de espías es un embole. Comprobé que es mucho más divertido contar la anécdota de la película que verla.
En el 2006 cuando tuve que elegir la mejor película del año no lo dude, voté The World de Jia Zhang-Ke. Ahora dos años después vuelvo a no dudar y voto a Still Life (o Naturaleza Muerta, esa horripilante traducción con la que fue estrenada) como la mejor del año. Lo que pasó con esta película es realmente indignante. Se exhibió por primera vez en la Argentina en el BAFICI del 2007 junto con un documental de Jia Dong. Cuando la estrenan este año en las salas sale en DVD. ¿Qué hace la revista de cine más importante de la argentina cuando se estrena? ¿Le da la tapa? ¿Le da una cobertura de 10 páginas como hizo con Shara NO. Apenas le da una nota de una página escrita por Marcos Vieytes, que escribe muy bien, más o menos a favor. ¿Y todo por qué? Porque se estrena en DVD y ellos deciden que las películas estrenadas en DVD no merecen la misma cobertura que una en fílmico (Lo mismo hicieron con Paranoia Park, La Otra le dio la tapa, y con El corazón es…) Esto es una idea lisa y llanamente imbécil. Una película estrenada en DVD, aunque se vea como el orto, merece una cobertura decente. No se que es lo que se proponen haciendo esto. Tal vez crean que los distribuidores estrenen en fílmico si ellos dejan de cubrirlas. El Amante es una revista influyente, pero no tanto. No se trata de pegarle a El Amante, yo soy un verdadero fan de la revista, pero este año se mandaron varias cagadas.
¿Qué convierte a Jia en un director de puta madre? Me voy a robar una frase de una nota de Eduardo Benítez publicada en el último número de La Otra: “Jia opta por mostrar la globalización de una manera exquisitamente lúcida, con delicados deslizamientos de cámara haciendo foco en un problema humano, demasiado humano: el trabajo” En Still Life cuenta dos historias: la de un obrero que busca a su hija perdida y la de una mujer que busca a su marido ingeniero para decirle que su matrimonio no va más. Los protagonistas de las películas de Jia son todos laburantes que cumplen con su tarea hasta el final. El hombre que busca a su hija no descansa hasta encontrarla y para conseguir dinero debe trabajar demoliendo viejos edificios, mientras que el ingeniero no ve a su familia hace mpas de un año porque se la pasa trabajando en la represa. Los personajes de Jia a veces parecen tener una moral cercana a la de los personajes de Hawks. Uno puede asimilar la moral de los aviadores de Sólo los ángeles tiene alas a la de los obreros de Still Life. Es algo curioso pero dos de mis directores favoritos tiene como tema de sus películas el trabajo. Hawks, el más grande del cine clásico y Jia, el más grande de la contemporaneidad, conviven en universo cinéfilo.

El hombre equivocado

Año nuevo

2009-01-01T16:48:00.008-02:00

Con el comienzo de este nuevo año se producen cambios en el blog. Es hora de decirla adiós a Steve Zissou y darle la bienvenida a.....El hombre equivocado.

Feliz año nuevo para todos

Mi mama me ama

2008-11-27T00:19:00.007-02:00

El lunes fui a ver El corazón es engañoso, por sobre todas las cosas (así con una coma).
Tenía apenas un par de datos sobre la película. En cuanto entre a la sala me decepcioné. La proyección era en DVD ampliado. Grandes películas de este año se estrenaron en DVD (Paranoid Park, La nube errante, Election, Naturaleza Muerta). Si bien el DVD abarata los costos, la pérdida de calidad en la imagen es bastante grande. El año pasado en la misma sala ví Café Lumière y la imagen dejaba bastante que desear. Este año las proyecciones en DVD fueron un poco mejor pero siguen siendo de una calidad muy baja. Sin embargo apenas empezó la película el disgusto desapareció.
La película cuenta la historia de Jeremiah, un niño de 7 años que vuelve a vivir con su madre luego de ser criado por unos padres adoptivos. Sarah (Asia Argento) no es precisamente un ejemplo de maternidad, o quizás si. Desde que empieza la película ella le aclara, cruelmente, que el es su único sostén y que ella es lo único que el tiene. A pesar de abandonarlo no una sino tres veces, Jeremiah siempre vuelve con su madre. En el medio de una vida azarosa, sin un lugar fijo para vivir, sin un padre presente ni alguien que haga de el (todas las parejas abandonan a Sarah), ella logra inculcarle el amor por la familia.
Jeremiah es expuesto a todo tipo de vejaciones (todas filmadas con mucho cuidado. Argento nunca expone demás al niño que interpreta a su hijo). Lo golpean con un cinturón, lo violan, lo drogan y sin embargo el continúa con su madre. Sabe que antes que volver con un par de abuelos chupacirios y golpeadores, prefiere ir por las rutas norteamericanos aprendiendo canciones punks y experimentando lo que es tomar ácido a los tiernos 7 años. (Una de las mejores escenas de la película es cuando Jeremiah le canta a su abuelo, un parco Peter Fonda, su propia versión de Anarchy in the U.K. de The Sex Pistols). Pero más que nada sabe que esa mina que parece una puta merquera a punto de desbarrancar es su madre. Sabe que ella haría cualquier cosa por el y el haría cualquier cosa por ella.
El film es verdaderamente bello. La imagen de la película es bastante precaria (o el DVD nos la dejó ver así) y allí radica la belleza la de la película. En encontrar en el medio de tanta basura algo verdaderamente bello. En ese sentido se parece a The sun and the moon, que se exhibió este año en el BAFICI (sobre la cual escribí en mi amado PUAN FRANCES). Busca la belleza en aquel lugar en donde menos se la puede encontrar. El amor que Sarah siente por Jeremiah (y viceversa) es la definición de lo que es bello. O debería de serlo.
Es muy fácil amar a una madre como Meg Ryan o Michelle Pfeifer, pero amar a Asia Argento es otra cosa. Bendito sea Jeremiah por animarse a amar. Bendita sea Asia Argento por animarse a ser otra cosa.

Steve Zissou

En algún momento de este fragmento de la película esta Jeremiah cantando Anarchy in the U.K.. Búsquenlo que vale la pena.

El corazón es engañoso, por sobre todas las cosas
The heart is deceitful above all things
EE.UU/Inglaterra/Francia/Japón, 2004
Dirección: Asia Argento
Guión: Asia Argento, Alessandro Magania
Fotografía: Eri Alan Edwards
Música: Marco Castoldi, Billy Corgan, Sonic Youth
Edición: Jim Mol
Intérpretes: Asia Argento, Jimmy Bennett, Peter Fonda, Ornella Muti, Dylan Sprouse, Cole Sprouse, Michael Pitt, Jeremy Renner, Winona Ryder, Marilyn Manson
Duración: 97 min

Tu marchas, Yo marcho

2008-11-04T21:11:00.004-02:00

El sábado fui a la marcha. No es la marcha del orgullo gay, lesbico, y ese largo etc. Es LA MARCHA. Es la mejor. La más esperada. La más divertida. La más provocadora. No voy a entrar a hablar de consignas de luchas, lo único que voy a decir es que la pasé de puta madre. Fue una verdadera fiesta. Bailé al ritmo de ABBA, Pablito Ruiz, Erasure, MIKA, Leo García, etc. Caminé junto a Diego Trerotola, Miguel Rep, la reina Fernando Noy y mi ídolo Daniel Link. Me crucé con amigos, con filos de una noche, con gente que no me quería cruzar (léase gente con la que tuve algo y terminó mal), con compañeros de trabajo (Trabajo en un callcenter. Osea un pelotero de putos), etc. Me chupó todo un huevo. Baile hasta que me cansé. Escuche discursos sin que me importara mucho lo que decían. Y me encontré con...¿mi chico? Sí, es mi chico aunque solo estamos saliendo. Hacía rato que no me divertía tanto. Me preguntó si los hetero se divertirán tanto como nosotrxs.

Steve Zissou

Mi tema preferido de ABBA

http://www.marchadelorgullo.org.ar/

3 Femmes

2008-10-24T00:44:00.006-02:00

Esta nota no es sobre La mujer sin cabeza, es sobre los tres personajes femeninos más fuertes que aparecen en la película.

Vero

Vero (María Onetto) es como cualquier otra mujer de clase media. Casada, profesional, activa, reprimida, etc. pero algo en el camino de regreso a su casa la hace cambiar. Su vida da un giro de 180 grados. Se trastoca por completo. Poco importa si fue porque atropello un perro, un niño, o las dos cosas o nada, lo que importa es que eso que pasó la cambió. Ahora hay algo que retumba todo el tiempo dentro de su cabeza.
Es muy fácil decir que es la conciencia lo que perturba a Vero, pero en realidad hay algo más detrás de su malestar. Matar a alguien no es algo que a mucha gente le provoque dilemas morales. Woody Allen cuando no era solemne dirigió una gran película llamada Crímenes y Pecados, allí el personaje de Martin Landau mandaba a matar a su amante. Hacia el final de la película a Martin la muerte de alguien que amaba (o creía amar) ya no le pesaba. ¿Por qué iba a pesarle la muerte de un perro o de un pibe desconocido a Vero? Pero también somos seres humanos y tenemos sentimientos. Nos apena la muerte, pero más nos apenas que nos muevan el piso. Nos aterra que la seguridad sobre la que armamos nuestro día a día desaparezca de un plumazo. Quizás sea eso lo que acecha a vero, el terror de que su vida ya no va a ser la misma y de que ya no hay nada sobre lo que apoyarse. El cimiento de su vida burguesa se despedaza y eso le come la cabeza. Se convierte en una mujer sin cabeza.

Lala

Todo el mundo dice tener una tía loca. Todos dicen que su familia la oculta y por una extraña razón gozan dando a conocer ese pariente de cuya existencia no tienen pruebas. Yo no tengo tíos. Ni locos ni cuerdos. Mis viejos son hijos únicos. Sin embargo me pasé la vida llamando tío y tía a un montón de amigos y parientes lejanos de mis padres. Hoy con 22 años lo sigo haciendo.
Si tengo un primo segundo. O tercero. Se llama Antonio y se parece mucho a la tía Lala. Lala y Antonio son al mismo tiernos y aterradores para su familia. Mi familia es bastante grande y nos vemos poco. A Antonio hace casi un año que no lo veo pero si veo seguido a sus tíos (a quienes yo también llamo tíos), que son primos de mi mama. La última vez que vinieron a casa a comer les preguntamos por Antonio a lo que contestaron: Esta bien, ¡Igual de loco que siempre!
Para que mentir, mi familia es bastante pacata y el hecho de que a alguien se le de por ir a laburar por poca guita a un hospital en la loma del orto cuando se recibió de medico con diploma con no se que honores es algo incomprensible. Mi mama dijo que ya se le iba a pasar esa locura. Es lo mismo que piensan de mí. Que ya se me va a pasar eso de ser homosexual. Antonio so sabe que soy gay (mis tíos tampoco) pero estoy seguro de que si algún día se entera le va a chupar un huevo. Lo primero que me preguntaría es si tengo novio y si la paso bien. Lo demás no importa.
Lala no encaja porque dice que lo que se le canta. Uno la ve tirada en la cama con esos anteojos de señora con plata venida a menos, ese peinado batido y no puedo menos que decir para uno mismo: pobrecita, le queda poco. Lo mismo que piensa toda su familia Siempre está encuadrada contra el enorme respaldo de la cama lleno de dibujos en la madera (como la cama de mis padres) como si fuera un trono. Como si el reinado que alguna vez tuvo se hubiera terminado y ahora solo le queda la atención/aguante de sus súbditos/parientes que la tratan como si hablaran con nene de 5 años. “Si tía”, “No tía”. Pero la vieja no esta gaga. Sabe muy bien lo que pasa. Es la única que sabe lo que verdaderamente pasa. Es la única que sabe que ese peinado y esos antejos son pura apariencia. Que toda su familia está escondida detrás de una fachada de familia tipo. Están atrapados de por vida en una actuación para la gilada. Una cárcel de la que no pudo escapar. Una condena de la que solo la redimirá la muerte. Pero quiere que su acto final sea salvar a Vero. Para que no tenga que representar una pantomima delante de los vecinos. Delante toda la puta ciudad.
Ninguno de los dos (de los tres. María Vaner tampoco encajaba en el mundillo de los actores) encaja en sus familias. Están destinados a ser el paria, el raro, el loquito.

Candita

Si odie a una actriz durante algo más de una año fue a Inés Efrón. La culpa la tuvo XXX. Una película de mierda. Sí, una película de mierda. Las películas que son una porquería (moral y técnicamente hablando) merecen ser calificadas así, violentamente, porque violentan al espectador. Lo violentan con respuestas hipócritas y cobardes a preguntas imbéciles que nadie hizo. Efrón pasó de una actuación torpe y falluta a una interpretación creíble y sincera. Dejó de ser Alex y se convirtió a mi adorada Candita. Unas pocas escenas le bastan para protagonizar una pequeña gran historia de amor no correspondido.
Martel la filma siempre en planos cortos y cerrados junto a su tía Vero. Logra crear así una atmósfera de constante tensión entre una adolescente con las hormonas a más no poder y una mujer adulta que se anima al incesto hetero pero no al gay. Es la relación de opuestas perfecta. Candita dispuesta a llevar las cosas al límite y besar a su tía en su cuarto mientras en la habitación contigua esta su madre y acaba de salir su amiga/novia y una mujer que lo único que quiere es que todo vuelva a ser como antes y que la idea que le da vueltas en la cabeza desaparezca. La acción versus el estatismo.
A los que dicen que no se entiende por qué Candita es lesbiana. Yo les preguntaría ¿Qué es lo que no entienden? ¿Qué es lo que no les cierra? ¿Qué sea torta? ¿Qué se quiera voltear a la tía? ¿O que la frase más humana y más llena de amor de toda la película salga de la boca de una lesbiana? ¿O están celosos porque nunca tuvieron a nadie a quién decirle: “Las cartas de amor se contestan o se devuelven”?

Vero

La mueca en la cara de Vero cuando recibe la respuesta de la recepcionista del hotel lo dice todo. Ella sabe lo que pasó, sabe lo que hizo su familia. Ahora ya no hay vuelta atrás. Ya no hay golpe que valga. No hay más contusión. No hay más confusión. No hay más limbo. No existe más la triste esperanza de la enfermedad. La esperanza de convertirse en la próxima Tía Lala se esfumó. Ahora ve claramente. Ve la realidad. La terrible realidad de su familia. Ahora sabe que vive con una familia incestuosa e hipócrita, que es pura apariencia, que se pudre por dentro. Y que lo único que queda es sumarse a la masa y hacer de cuenta que no pasó nada. Y quitarse las penas escuchando a Demis Roussos.

Steve Zissou

La mujer sin cabeza (2008)
Dirección: Lucrecia Martel

Vero: María Onetto
Tía Lala: María Vaner
Candita: Inés Efrón

Este es el tema de Demmis Roussos. Se llama Mammy Blue. Recomiendo escucharlo ahora y después ver la película. La percepción sobre la canción cambia extremadamente. De ser una inocente canción pop pasa a ser verdaderamente siniestro. Es imposible volver a escucharlo como antes. Ese es el poder del cine.

Cumpleaños escarlata

2008-09-12T21:58:00.006-03:00

Esta nota llega un poco tarde pero la intención es buena. Siempre vale la pena recordar a los olvidados.

Debo haber visto Clue alrededor de 20 veces. La descubrimos mi vieja, mi hermana y yo un sábado a la noche hace unos 10 años atrás (quizás más). La estaban dando por América o Canal 2, vaya a saber uno como se llamaba en esa época, doblada al castellano. Nos había llamado la atención el hecho de que tuviera tres finales distintos además siempre en casa, a todos menos a papa, nos gustaron los “whodunits”. Con mi hermana lo que más nos divertía era esperar el final de la película para ver los créditos. Nos encantaba ver como se daban vuelta las cartas y se descubría el nombre de los actores mientras sonaba ese gran tema que es “Shake, rattle and roll”. Así descubrimos al groso de Tim Curry que hacía del mayordomo. Pero el viejo Tim no estaba solo. La película tenía en su elenco a Christopher Lloyd, Madeline Kahn, Martin Mull, Eileen Brennan, Michael Mckean y quien nos ocupa en esta nota: Lesley Ann Warren, que hace un par de días cumplió 62 años
¿Por qué hablar de una actriz que no tiene una súper trayectoria? ¿Por qué dedicarle una nota a alguien qué ha hecho casi siempre papeles secundarios? ¿Qué ha actuado en películas que ni se estrenaron en la Argentina? Por la sencilla razón de que Lesley Anna Warren a pesar de ser una actriz poco conocida ha hecho una serie de papeles destacables y es hora de que alguien se acuerde de ella.
Se preguntarán quién es Lesley. Aquí va un pequeño resumen. Debutó en Brodaway en 1963 y participó de varios musicales entre ellos Scarlett, en donde hacía de Scarlett O’Hara, inspirado en la película Lo que el viento se llevó. Comenzó su carrera en el cine en el año 1967 coprotagonizando una película, que no vi y desconozco si se estrenó en Argentina, con Fred McMurray. Siguió participando en series y películas para TV, entre ellas Mision Imposible entre 1970 y 1971, hasta que en 1982 formó parte de la genial Víctor Victoria. Allí interpretaba a Norma Cassidy que le reportó una nominación al oscar que no ganó, pero ¿a quién le importan los oscarcitos? Después vino Clue y su magistral interpretación de Miss Scarlett, una femme fatale que vendía secretos de los E.E.U.U. a la unión soviética y viceversa. Era imposible no sentirse atraído por ella. Te gustara lo que te gustara. El gay que componía Michael McKean se sentía siempre incómodo ante la presencia exuberante del personaje de Warren. Ella era la más desinhibida de todas. Y a la que uno más le creía que podía ser la asesina. ¿Quién se iba a creer que la vieja Brennan podía matar a alguien? Lamentablemente poca gente se acuerda de esta película y de su actuación mientras que si es más recordada su actuación en Que perra vida uno de los opus noventeros de Mel Brooks, justito antes de que cayera bajísimo (Brooks no Lesley). Allí hacía de una vagabunda que ayuda y luego se enamora del personaje, ya grandecito para ella, interpretado por Mel Brooks. Sin duda alguna no es una gran película. De hecho quizás uno de los grandes problemas sea que esta protagonizada por el propio Brooks, que si bien es gracioso para que negarlo, al final termina siendo pesado. Sin embargo Lesley le da cierta calidez a la película. Ella siempre tiene el timming perfecto. Cuando aparece su personaje las cosas cambian. Uno temía que la película fuera a ser un bodrio. Bueno medio que lo es, pero Lesley la rema y la saca un poco a flote. Es el amor genuino que le demuestra a Pepto (Brooks) lo que hace que una película sonsa termine siendo simpática. Últimamente se la vio haciendo de madre tanto en cine, en la extraña e inquietante La secretaria, como en series de TV.

Esta madura morocha sigue trabajando irregularmente en Hollywood. Esperemos que algún director con buena memoria se acuerde de ella y podamos verla pronto en pantalla grande. Por ahora le decimos: ¡¡¡¡¡Feliz cumple Lesley!!!!

Steve Sizzou

Acá un compiladito de Clue al ritmo de “Shake, Rattle and Roll”

Sax songs (Say so much)

2008-09-04T22:26:00.005-03:00

Un pequeño compendio de temas en donde el saxo es el rey.

A lo largo de mi vida tuve distintos amores con distintos instrumentos. Primero fue el piano. Quería ser como Rick Wakeman y toar catorce mil acordes por minuto en dieciocho sintetizadores distintos. Me duró un tiempo largo. Todo mi colegio secundario. Estaba obsesionado con el rock progresivo. Al principio solo me gustaban bandas que le dieran importancia a los sintetizadores pero con el tiempo amplié mis gustos, menos mal, y empecé a escuchar otras bandas como Gentle Giant o King Crimson donde los instrumentos tenían todos más o menos el mismo peso.
Después quise ser bajista. Esto fue más o menos cuando entró el punk en mi vida. Hace unos 3 años más o menos. Quería tener una banda y hacer temas de The Jam como In the city o de Talking Heads como Psycho Killer. Como verán tengo un concepto muy amplio del punk.
Y ahora se me dio por el saxo. No se porque. Lo único que se es que cada día me obsesiona más el sonido de los vientos pero sobre todo del saxo. Me vuelvo loco cada vez que escucho Mejor no hablar de ciertas cosas de Sumo con todas las distorsiones del saxo de Pettinato o cuando re escucho One more red nightmare de King Crimson.
Pero lo cierto es que nunca aprendi a tocar nada. Salvo cuando era muy pendejo aprendi dos o tres giladas en la guitarra. No se si voy o no voy a aprender a tocar el saxo, es muy probable que no lo haga, pero mientras tanto comparto con ustedes un par de temas que me vuelven loco.

1 – Van Der Graaf Generador – Arrow

Estos tipos estaban locos. Literalmente. Prueba de ello es ese discazo que es Pawn Hearts (1972) que es uno de los pocos discos de rock progresivo que me siguen dando ganas de escuchar. Aunque es un poco limitado decir que Van Der Graaf es una abanda de rock progresivo. Es más que eso. Es algo absolutamente indescriptible. Solo se puede escuchar. Este tema no es de Pawn Hearts es de Godbluff (1975) pero igual la rompe. Escuchen el saxo y la voz de Peter Hamill y después me dicen si no los vuelve locos.

2 – Romeo Void – Never Say Never

A esta banda la descubrí de pura casualidad y me hice fanático al instante. ¡Bendito sea Youtube! Es una banda de principios de los ochenta. Pleno estallido de bandas que mezclaban el pop con el punk y creaban maravillas absolutamente innovadoras y que incitaban al baile. El saxo de este tema es impresionante y tiene un sonido muy pettinatesco (Van Der Graaf también). O al revés.

3 – Los abuelos de la nada – Medita sol

Mi primer amor (sin contar a Walter Quiroz y a Nano de Jugate Conmigo) fueron Los abuelos de la nada. Iba a todos lados con mi casette grabado. Escuche este tema un tiempo después y siempre me gustó aunque el saxo aparece poco. El tema sería perfecto con otro solo de saxo en vez de sintetizador.

4 – Sumo – Virna Lisi

Y si algo de ellos tenía que haber. Me costó elegir un tema porque el saxo de Pettinato me parece lde o mejor que he escuchado. Me decidí por Virna Lisi que no se porque razón se lo pasa poco por las radios. La cuestión es que esta buenísimo, el saxo distorsionado suena muy bien y no hay nada más divetido que andar gritando ¡Virna……..Lisi!

5 – Rick James – Superfreak

Algo de funk no podía dejar de poner. Rick James es un muchacho que en los ochenta la pegó con un par de temas. ¡Pero que temas! Superfreak es uno de esos temas. Tiene todo el ritmo. Es imposible no bailarlo y solo de saxo del final aunque sea muy corto es muy potente.

6 – Meatloaff – Hot Pattotie

Por último elegí este tema de una de mis películas favoritas. Es obvio que Meatloaff no toca el saxo pero lo cierto es que la canción es absolutamente pegadiza. Y ese saxo que se acerca al sonido de los 50 es imperdible.

Steve Zissou

Confesiones de un amor retro (ochentoso)

2008-08-15T23:31:00.006-03:00

Y si, el pibe es medio freak. Dacha una declaración de amor al pop de los ochenta (si existe tal cosa).

We can Dance, everydboy is out of control!
We can Dance, Everybody look at your dance!
Safety Dance, Men Without Hats

OK, lo admito. Tengo una fucking obsesión con los años 80. Específicamente con la música que se escuchaba en aquellos años. Se que parece que contradigo lo que dije con respecto a los sonidos y las décadas pero no creo que haya un sonido de los 80. Si en cambio me gusta mucha música de esa época. No se por qué. De hecho la mayoría de las bandas que me gustan no son de aquellos años (es muy difícil que me guste una banda nacida en los 80 pero si muchas canciones de distintas bandas) sino que sacan sus últimos (y no grandes discos) en esa época. Me encanta Talking Heads pero los discos que vienen después de Fear Of Music no los muestran en gran forma. Bueno quizás exagere un poco. Muy probablemente para cuando termine de escribir la nota me arrepienta de lo dicho sobre los cuatro neoyorquinos.
Hay gustos que uno no puede explicar. Intenté hacerlo con la atracción que me producía el reality de los modelos. Esa cosa juguetona y superficial que tenía era lo que me tenía en vilo viéndolo. Y por sobre todo que era honesto. No intentaba otra cosa más que entretener. En una de esas, eso es lo que me atrae de muchas canciones de los años 80. Osea Wang Chung no era una buena banda ni a palos pero cada vez que dan un video clip en Vh1 uno se queda viéndolo. No sonaban mal pero las canciones eran realmente del montón. Pero al igual que el reality de modelos su única intención era que las chicas y chicos de los 80 se divirtieran y bailaran sin que les importara nada. Eso es lo que hace que estas canciones marquen la diferencia. El baile. Uno en los 70 no podía bailar un tema de Yes. Con un tema de The Ramones hacía pogo, aunque quizás eso también sea un baile. Con la llegada de la new wave, y luego con la profundización de estas bandas, se recuperó el baile. Cosa que estaba medio mal vista. ¿Quién no bardeaba a la música disco en los 70’s? Tarea más que noble la de estos tipos. Pero hay que decirlo, no estaban solos. Ahí estaban Hall & Oates, Men Without Hats, The Vapors, The Waitresses, The call y M (entre otros).

- ¿Quién?
- ¿Cómo no conoces a M? Era ese que cantaba la canción donde repetían como quince veces “pop music”.
- No. No lo tengo. A mi no me gusta el pop.
- Entonces esta nota no es para vos.

Uh pero yo venía hablando de Wang Chung y quería hablar de su tema Dance hall days. Que digo tema. TEMÓN. Uno no puede más que sacarse el sombrero ante un grupo que decide recuperar los bailes de salón y reinterpretarlos en medio de un contexto ochentoso. La pura celebración del baile. De la fiesta. Si uno ve el video clip ve que el momento al cual se remonta el video son los años 30. Uno siente que en cualquier momento aparecen Cary Grant y Irene Dunne y se pone a danzar como en La pícara puritana. Es al mismo tiempo una celebración de la moda. El pelo platinado del cantante y la confesión letrística: “We were cool on craze”, eso solo se puede decir en una canción pop. Es una maravilla de canción por donde se la mire. Es prácticamente perfecta. Es una melodía tan pegadiza y al mismo tiempo no satura. No aburre. Es un tema que uno podría volver a escuchar mil veces. De eso que uno aprieta repeat en el equipo de música. No es para nada estridente. Es una canción que al mismo tiempo que invita al baile, relaja al oído con una bella melodía.
Y así como se puede bailar al ritmo de este rubio platino se podía mover el cuerpo haciendo los pacitos de Safety Dance de Men Without Hats. Ese tema que parecía una canción de Jethro Tull en variante new wave. O si no Man Eater (¿No empieza parecido a Part time lover de Stevie Wonder?) uno de los tantos falsos lentos de la época como Everyday I write the book y China Girl. Y por qué no alocarse con The Vapors y bailar desenfrenadamente mientras se grita: “I think I’m turning Japanese”. Si era una época feliz. Puro baile. Esto fue lo que entendieron Virus, Los abuelos, Soda y también Sumo y Los redondos. Hay que bailar. Mal o bien pero hay que bailar.

¡¡¡¡Pero al final te gusta todo a vos!!!! Y la verdad que no. Y esto que quede bien claro: ABORREZCO EL METAL OCHENTOSO (léase: Twisted Sister, Deff Leppard, Poison, etc.)!!!!!!!!!!!!!. Debo una explicación.

Steve Zissou

El muchacho platinado y su grupete entonando su canción que incita al baile alocado.

Volvió el gordo

2008-08-10T00:54:00.003-03:00

Nota de un estreno no muy lejano, apenas un par de semanas. Gustó pero no tanto. Lean y comenten la nota.

Si tuviera que hacer una lista de mis películas favoritas sin duda figuraría en ella alguna película de Claude Chabrol. Lo que no se específicamente es cual de todas las que vi figuraría. Me gustan tanto películas de finales de los sesenta (La bestia debe morir, La ruptura) como las de los últimos años (La ceremonia, Gracias por el chocolate). Nunca vi sus primeras películas (El bello Sergio, Los primos). No quiero generalizar y decir que todas sus películas se caracterizan por tener un determinado ritmo en la narración y que algunos temas se repiten, pero si hay algo que atrae de sus films es justamente eso. La precisión que tiene para contar una historia es muy poco vista en el cine contemporáneo. Ya no se filma así.
Las últimas tres películas de Chabrol las fui a ver al cine: La dama de honor, La comedia del poder y la recientemente estrenada, Una mujer partida en dos. Esta última cuenta la historia de Gabrielle, una chica que trabaja en un canal de televisión, que se enamora de un escritor de renombre (Charles Saint-Denis) y al mismo tiempo es pretendida por Paul Gaudens, un millonario que aborrece a Saint-Denis. Como es de costumbre en las películas del director francés este triángulo no termina bien.
Chabrol es un director muy sutil. No cae en facilismos a la hora de retratar a sus personajes. Por eso choca de entrada la construcción de los tres protagonistas. Hecha a partir de trazos gruesos. Esto es algo que señala Diego Maté en su crítica en el sitio http://cinemarama.wordpress.com/. Cito textualmente: “La cuestión es que, a diferencia de otras películas de Chabrol, donde los personajes son complejos y tienen un espesor que los hace resistentes a los estereotipos, en Una mujer… son lineales, no tienen capas, y los conflictos siempre son gruesos y “polémicos”, como si se quisiera involucrar al espectador en una especie de debate moral o algo así”. Lo que señala Maté es acertado, sin embargo disiento con lo que afirma pero solo con respecto al personaje de Paul Gaudens (El retrato que hace del escritor es pobrísimo). Su primera aparición choca bastante. Llega ebrio a su casa manejando el auto a toda velocidad y después se burla e insulta a su madre. Es presentado como la mezcla de un dandy y un niño mimado. Es muy artificial como esta armada esa primera escena. Hasta parece que el actor estuviera mal dirigido. Rayando la sobreactuación. Pero con el correr del film uno se da cuenta que Paul no es más que un niño que busca un verdadero amor. Amor que nunca tuvo de su madre, una castradora y una chupacirios que le controla la vida. Su actitud altanera y despreciativa no es más que una manera de reaccionar frente a ella. Pero como todo ser aniñado termina volviendo al lecho materno y a depender de ella. Es el único personaje que evoluciona. Uno ve como la locura lo atrapa. La escena del café con los organizadores de la cena a beneficio muestra claramente el desequilibrio de Paul. Ya no hay más fanfarronería o exhibicionismo. Ahora solo hay un hombre que va camino a perder la cordura.

Si bien cae en el facilismo a la hora de retratar a los otros dos protagonistas (aunque en el comienzo de la película se pueda ver su maestría) sigue demostrando que es un genio. Sobre todo a la hora de contar la historia. Jamás da un dato de más al público. Elude de manera magistral decir que es lo que sucede en el club de amigos que frecuenta Paul hasta que es realmente necesario. Con un solo plano de la escalera insinúa la idea de lo que allí sucede. Ese lugar en donde un montón de viejos con guita van a tomar y conocer señoritas. Con esa misma economía de recursos logra que solo baste ver el comienzo de la película para saber como son los protagonistas. La comedia del poder, su anterior film estrenado en Argentina, comenzaba con un largo plano secuencia que seguía a uno de los ejecutivos investigado por el personaje de Isabelle Huppert hasta que era detenido por la policía. Después era un corte directo a la oficina del personaje de Huppert y ahí el gordo Chabrol cambiaba el tono de la narración. Pasaba de un plano secuencia lleno de vida al más seco de los plano-contraplano. Ya así nos enterábamos del temple de acero de la jueza. En Una mujer partida en dos abre la película con tintes rojos mientras se ve la ruta, la ruta que ve Capucine que va a casa de Charles Saint-Denis. Ella de negro. La mujer de Charles de blanco. Capucine, la “amiga” de Charles se opone a su esposa. Un elemento que desentona con el ambiente de la casa, pura, prístina. Ya sabemos que clase de hombre es Charles.
Las películas de Chabrol suelen también estar teñidas de un humor negro y esta no es la excepción. Si bien no llega a tener los diálogos de Gracias por el chocolate ni la gracia de la menospreciada No va más tiene varios momentos de un humor muy delicado pero no por ello menos oscuro.
Si habría que objetarle algo a la película, aparte de lo ya mencionado, es lo burdo del final y la explicitación del título. Ver a Gabrielle siendo cortada por una sierra en un acto de magia defrauda un poco. Lo más interesante tal vez sea que Gabrielle termina como empezó, entreteniendo al público. Antes la TV ahora el teatro de variedades.

Steve Zissou

Una mujer partida en dos
La fille coupée en deux
Francia/Alemania, 2007
Dirección: Claude Chabrol
Guión: Cluade Chabrol, Cecil Maistre
Fotografía: Eduardo Serra
Música: Mathieu Chabrol
Edición: Monique Fardoulis
Intérpretes: Ludivine Sagnier, Benoît Magimel, Francois Berléand, Mathilda May, Caroline Sihol, Marie Bunel, Valeria Cavalli, Etienne Chicot, Thomas Chabrol
Duración: 115’

El placer oculto

2008-08-02T20:19:00.016-03:00

Uno tiene esos gustos que no quiere confesar pero yo creo que es mejor hacerse cargo. Acá una pequeña nota sobre uno de los míos.

Se sabe que los reality show no son buenos programas. NUNCA.
Pero es cierto que también existe una especie de atracción inexplicable que lo lleva a uno a quedarse prendido frente al televisor mirando como un grupo de personas expone su vida frente a las cámaras. No voy a hablar de GH ni de ninguno de los realitys conocidos. No voy a hacer ningún análisis ni semiológico ni sociológico sobre estos progrmas. ¿De que voy a hablar entonces? Voy de hablar de un programa que no puedo dejar de ver. Me voy a hacer cargo del placer que me produce ver el programa. El programa se titula America’s most smartest model y va por Vh1 (en castellano fue llamado Los más inteligentísimos modelos americanos).
El programa consiste en una competencia por 100.000 dólares entre un grupo de modelos que deben demostrar ser el modelo más inteligente. Está conducido por una mujer llamada Mary Alice Stephenson, quien viene del mundo del modelaje y por ende juzga la parte profesional de los concursantes, y un tipo llamado Ben Stein, que evalúa que tan inteligentes son los aspirantes al premio. Obviamente están encerrados en una casa y deben pasar por distintas competencias. ¿Por qué miro este programa con una premisa tan estúpida y gastada? ¡Eso es lo que yo me pregunto!

En un momento pensé que era porque me gustaba uno de los concursantes (Brett Novek) pero ya lo echaron y sigo viendo el programa. Quizás la razón sea que a pesar de ser estar armando a partir de una idea absolutamente trillada, como es la de encerrar a un X número de personas en una casa, lograron encontrarle la vuelta y crearon un programa entretenido. El hecho de que se ponga a prueba la inteligencia de los modelos, y no verlos rascarse como en otro programa símil, hace que uno quiera saber el resultado de cada nueva competencia. Las competencias generalmente son de la misma índole. Les hacen preguntas y de contestarlas mal deben cumplir un castigo (aparte de perfilarse como posibles expulsados). El resultado es realmente gracioso. Verlos sufrir porque tienen que comerse un pastelito de vaya a saber uno cuantas calorías es una prueba de lo cómico que es el programa. Y sobre todo lo que hace que sea gracioso es que las preguntas rayan lo…como decirlo sin ser mal agresivo…a ver…sonso. No pueden contestar cosas como: ¿En que año se descubrió América? Uno de los momentos más graciosos que vi fue cuando uno de los modelos (Josh Pickel) intentó resolver un cálculo matemático escribiéndolo en la cáscara de una banana con un cuchillo. Y Ben Stein es el tipo mas hijoputa que hay. Le encanta hacer quedar como un idiota a los modelos, remarcarle los errores, meter el dedo en la llaga. Aunque a veces hay que decir que sus chistes son muy ingeniosos y que hay algunos modelos que merecen que se les tome el pelo. Todo esto condimentado por el odio desmedido que le profesan un par de participantes a uno de los favoritos de los conductores. Es divertido ver como se provocan y nunca se pelean, no sea cosa que al día siguiente haya sesión de fotos y haya que cubrir algún moretón con maquillaje.
Lo que hace que el programa funcione también es el hecho de que solo cuenta con un poco más de una decena de capítulos. Lo que hacía que un programa como GH fuera insoportable era que no terminaba nunca (más allá de lo insípido que era). Todos los capítulos se produce una eliminación. Todos los capítulos hay alguien termina en la cuerda floja y eso mantiene el suspenso de programa en programa. Esto es algo que deberían aprender los productores de TV argentina que en vez de acortar programas y hacer que funcionen y puedan tener una segunda temporada, los alargan hasta el hartazgo logrando que el programa se convierta en un verdadero embole (como pasó con Montecristo por dar solo un ejemplo).
¿Pero entonces es un buen programa? NO. Es apenas un programa entretenido y correcto que pasará sin pena ni gloria por la historia de la televisión.

Steve Zissou

NOTA: El programa termina el sábado que viene cuando sabremos quién es el último eliminado (VJ Logan o Andre Birleanu)

Los más inteligentísimos modelos americanos
America’s most smartest model
Vh1
Sábados 18 hs

Error de concepto

2008-07-25T03:10:00.006-03:00

Como todo ser apasionado hay cosas que me gustan y cosas que no. Las listas me presentan todo un problema a la hora de decidir su calidad. La analizada aquí no es la excepción.

Debo reconocer que tengo cierta pasión u obsesión, por las listas. Sea de lo que sea. Películas, actores, canciones, bandas, libros, programas de tv, etc. Es realmente algo patológico. Al mismo tiempo que busco y armo desesperadamente listas nunca estoy conforme. Siempre me parece que falta o sobra ago. Que están mal enfocadas. Que son muy canónicas o muy snob.
Vh1 en su programa Top 20 (¿Qué nombre original no?), tal como su nombre lo dice, confecciona listas. La semana pasada la lista estuvo compuesta por las mejores canciones de la NEW WAVE. Y como no podía ser de otra manera la lista me disgustó en sobremanera.
La principal razón por la cual la lista me desagradó es que quién confeccionó la lista la armó partiendo de un error grave, considerar que las bandas de la new wave son todas bandas cuya principal característica es la presencia de sintetizadores. De hecho la conductora durante el programa mencionó un supuesto listado de mandamientos de “músico nuevaolero” entre los cuales estaba: amar a tu sintetizador. Ahora ¿cuántas bandas de ese período, y que sabemos que pertenecen a este subgénero, usaban sintetizadores? Muchas es verdad, pero ¿Cuántas definieron su sonido mediante el uso de sintetizadores? Pocas. El uso de teclados como instrumento principal fue patrimonio de pocas bandas: Gary Numan, Ultravox, Modern English, The Human League, OMD, Thomas Dolby y… me quede sin nombres. Pero muchas de sus canciones pegaron y quedo en el imaginario la fórmula new wave = teclados cuando en realidad la fórmula debería haber sido new wave = libertad. Es cierto que hay un gran número de bandas que usaron sintetizadores, pero estos tenían la misma importancia que el resto de los instrumentos: Talking Heads, Squeeze, B-52’s, Blondie, ABC, The Police, Elvis Costello, Echo and the bunnymen, The Cars, Bangles, The Go-Go’s, The Cure, Duran Duran, XTC, Devo̽̽̽¹, etcª.
Uno podría pensar que la lista esta armada con cierto carácter populachero (De hecho está armada así) pero la queja vale igual porque este canal se jacta de pasar videos que en otro lado no se pasan. El problema quizás sea también que esta idea ya se popularizó demasiado y que muchos medios la hayan tomado como cierta. ¿Qué dice el sitio http://www.allmusic.com/, uno de los sitios mas consultados sobre música, sobre la new wave? Lo siguiente: “During the late '70s and early '80s, New Wave was a catch-all term for the music that directly followed punk rock; often, the term encompassed punk itself, as well. In retrospect, it became clear that the music following punk could be divided, more or less, into two categories — post-punk and new wave. Where post-punk was arty, difficult, and challenging, new wave was pop music, pure and simple. It retained the fresh vigor and irreverence of punk music, as well as a fascination with electronics, style, and art. Therefore, there was a lot of stylistic diversity to new wave”. Uno esta tentado de decir que es verdad todo lo que dice esta gente pero cuando uno lo lee en detalle se da cuenta que cae en el mismo error que cayeron los muchachos que armaron el top 20 y esos estúpidos mandamientos de “músico nuevaolero”.
La segunda razón ya tiene que ver solo con el gusto. Una cuestión de apreciación. No es que me disgusten los temas que figuren en la lista sino que de haberla armado yo hubiera elegido temas completamente distintos. Muchas bandas ni figurarían. Es el caso por ejemplo de U2 que a mi entender esta absolutamente demás en la lista y encima soy de los que sigue la idea propuesta por Nick Hornby en Alta Fidelidad : cuando venga la revolución del rock una de las bandas que hay que matar es U2. tampoco figuraría Bowie porque Bowie es Bowie y no New Wave. Y bueno ni hablar de Level 42 que me disgustó todo la vida.
Por eso como la lista no me gustó nada armé la mía. Disfrútenla y critíquenla.

Steve Zissou

̽¹Muchos dirán que Devo usaba muchos sintetizadores lo cual es absolutamente cierto. Pero las guitarras tenían exactamente la misma importancia. Escuchen como ejemplo de esto She’s Just a Girl y Mongoloid

ª Sepan disculpar los fanáticos de alguna banda que me haya olvidado de mencionar.

Lista de Vh1

20 – Modern English – I melt with you
19 – Thomas Dolby – She blinded me with science
18 – Gary Numan – Cars
17 – Tears For Fears– Shout
16 – Talking Heads – Burning down the house
15 – Thompson Twins – Hold me now
14 – XTC – The mayor of Simpletown
13 – Level 42 - Lessons in love
12 – Simple Minds – Don’t you forget about me
11 – Til Tuesday – Voices Carry
MH – Talk Talk – It’s my life
10 – Billy Idol – Dancing with myself
9 – A Flock Of Seagulls – I ran
8 – The Pretenders – Don’t get me wrong
MH – Joy Division – Love will tear us apart
7 – The Cars – You might think
6 – Duran Duran – Hungry like the wolf
5 – Eurhythmics – Sweet Dreams
4 – The Police – Roxanne
3 – Devo – Whip It
2 – U2 – New Year’s Day
1 – David Bowie – Let’s dance

Lista de Steve Zissou

20 – Romeo Void – Never Say Never

19 – The Cars – Tonight She Comes
18 – OMD – Electricity
17 – INXS – Need you tonight
16 – A Flock of Seagulls – I ran
15 – Squeeze – Tempted
14 – A-Ha – The sun always shines on TV
13 – The Smiths – This charming man
12 – Madness – Baggy Trousers
11 – Thomas Dolby – She blinded me with science
MH – ABC – The look of love
10 – XTC – General and Majors
9 – Devo – She’s just a girl
8 – Echo and the bunnymen – Bring on the dancing horses
MH¹ – Men At Work - Who can it be now
7 – Blondie – Denise
6 – B-52’s – Private Idaho
5 – The Pretenders – Back on the chain gang
4 – Duran Duran – The Reflex
3 – Elvis Costello – (The angels wanna wear my) Red shoes
2 – The Cure – The Walk

1 – Talking Heads – Girls want to be with the girls

¹MH:mención honorífica

Rescate de terror

2008-07-12T19:35:00.009-03:00

Antes uno tenía que esperar como un año para que la película que había bajado de cartel estuviera en VHS. Ahora con el DVD hasta la puede ver antes. Vi esta pelí en DVD unos meses después de su estreno y me gusto un poco mas que al resto que la vio.

Hay películas que pasan sin pena ni gloria por la cartelera nacional. Los medios publican alguna crítica corta y le ponen tres estrellitas de compromiso no sea cosa que se pierdan la tarasca de la publicidad. El público masivo no les da pelota y cuando alguno que la vio la comenta en un una reunión se escuchan frases como “¿Es de este año?” “¿La viste en DVD?”“¿Y esa cuando se estreno?”. Esto es lo que pasa por ejemplo con uno de los modestos estrenos de este año, El Orfanato.
El cine de género que llega de España es casi nulo y la oferta no suele ser muy buena. Basta con ver Asesinato en el comité central, que la están dando por Europa Europa este mes, para entender lo que digo. De vez en cuando se estrenan películas interesantes. El año pasado se estrenó El laberinto del fauno que era una buena película pero tuvo una recepción tibia a pesar de haber estado nominada al Oscar (lo que demuestra que cada vez más este premiecito no significa nada salvo la celebración del status quo cinematográfico). El mismo tipo de recepción sufrió El Orfanato aun siendo un buen exponente del cine de terror.
¿Por qué andar hablando de una película que se estrenó hace meses y que no vio casi nadie? Por la sencilla razón de que me gusto y que creo que la tarea del crítico es dar a conocer películas y buscarles siempre un costado nuevo.
La película cuenta la historia de una mujer que vuelve vivir en la casa en donde funcionaba el orfanato en donde ella vivía de pequeña para reabrir un nuevo orfanato. Pero no todo sale como esperaba y su hijo adoptivo es secuestrado. ¿Pero por quién? Esa duda es la que recorre toda la película. Mientras la madre se aferra la historia sobrenatural de la desaparición de su hijo hasta las máximas consecuencias (su propio fallecimiento), el padre prefiere creer que su hijo fue secuestrado y asesinado. El film transita entre la realidad y la posibilidad de la existencia de esos fantasmas.
Lo primero que convierte a El Orfanato en una película que merece ser visto es que es una película honesta, conciente de sus limitaciones. A diferencia de lo que piensan muchos no creo que la película intente vender formulas de como hacer una película industrial exitosa. Es apenas una película correcta. Una buena película de género con buen ritmo narrativo que no decae casi hasta el final en donde Bayona cae en facilismos a la hora de resolver el problema.
Dice Juan Manuel Domínguez en su crítica en la revista El Amante: “…el principal problema de El Orfanato es que se podría cartografiar cada una de sus escenas y crear un mapa cinéfilo de los chuchos más sentidos de la última década…”. Si, es verdad las citas están por doquier. Desde Los Otros y Sexto Sentido hasta Poltergeist y Rojo Profundo. ¿Pero es eso acaso malo? En absoluto, una película se construye a partir de otras. El problema se presenta si la película no logra construir un producto independiente de las demás películas pero Bayona logra que El Orfanato se instale dentro del género y entrega un producto digno. No es una obra maestra del terror. Es una película que no va a pasar a la historia pero es un film bien construido que se puede disfrutar. Con una buena creación de climas y una banda sonora respetable.
¿Por otro lado no verían una película donde trabaja el señor Barriga?

Steve Zissou

El orfanato

España/México, 2007.

Dirección: Juan Antonio Bayona

Guión: Sergio Sánchez
Fotografía: Oscar Faura.
Música: Fernando Velázquez.
Edición: Elena Ruiz
Intérpretes: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Prícep, Mabel Ribera, Monserrat Carulla, Andrés Gertrúdix, Edgar Vivar, Geraldine Chaplin

Duración: 100 minutos.

Divina TV Rockera

2008-07-05T00:48:00.005-03:00

Mi primer post sobre la TV. Como siempre empiezo hablando de algo para terminar divagando sobre otras cosas.

“Nos hemos refugiado en el rock en algún momento, aunque hoy vamos al Lave-rap.”
Entrevista a Diego Capusotto y Pedro Saborido en Página 12

Hace un par de lunes atrás volvió el único programa de humor que vale la pena ver en la televisión abierta. Si, estoy hablando de Peter Capusotto y sus videos.
La nueva temporada (palabra tan de moda hoy en día en la TV argentina) trae grandes cosas. La joya de este año es Bombita Rodríguez, el Palito Ortega montonero. Ver a Capusotto con ese look setentoso cantando canciones pop con consignas revolucionarias no tiene precio. La canción en la cual nos invita a bailar el “Mao”, un baile dedicado obviamente a Mao Tse Tung, es de lo mejor de la TV argentina de los últimos años.
Otro personaje que demuestra el talento de Capusotto es Nicolino Roche. Un cantante de rock que se la pasa empastillado y que no puede decir dos frases seguidas. Un nabo al que todo el tiempo se le traba la lengua y entra en coma. Uno de esos personajes con los que el blondo rancingista parodia los mitos que construyen los medios sobre los rockers.
Como así también lo hace con Micky Vainilla. Ese cantante pop medio afeminado que no admite su fascismo. Con Vainilla se mofa de los estereotipos que circulan a la hora de hablar de líderes de bandas pop (como siempre los medios oponiendo el pop al rock como si fueran cosas distintas. Divide y reinaras) y al mismo tiempo de ese “enano fascista” (Esta la frase hecha del día) que habita en muchas bandas de rock. Ya lo dijo Iorio: “El rock no es de izquierda”. Lamentablemente tiene razón (En su momento mi amado Bowie propuso a Hitler como ídolo pop. Lo escribo y me dan ganas de quemar sus discos. Pero al segundo me arrepiento.).
Y por supuesto está Pomelo, ¡El ídolo forro que estabas esperando! Pomelo es un personaje que Capusotto esta llevando al extremo. Se esta yendo literalmente al carajo. No tiene desperdicio. La sátira ya va más allá de reírse de algún roquero argentino. La idea es parodiar todo esos mitos que se crearon alrededor de la estrella de rock. Sea del origen que sea. Pomelo es un tipo que parece no entender lo que pasa a su alrededor, alguien que esta alejado del mundo. Es un tipo que se cree importante por prender fuego una campera. Es la parodia de ese rocker alienado del que también hablaba Pink Floyd en su monumental The Wall.
Sin embargo no todo es genial en la nueva temporada de PC. Quiste Sebáceo no es de lo más brillante que ha hecho Capusotto. Es cierto que el humor de este pelilargo siempre transito entre lo genial y la pura gilada. En un límite muy fino. Pero claramente este sketch no es bueno.
Otro problema es la repetición. El segmento “La vida de un Emo” es muy repetitivo. La primera vez que lo vi estallé de la risa pero con el tiempo ya la reacción no era la misma. Semana tras semana se repite lo mismo con una mínima variante. Siempre el mismo mecanismo, como si el personaje no pudiera evolucionar. Lo mismo pasa con los nuevos episodios de Juan Carlos Pelotudo. El loco Daisy May Queen es un refrito del acosador de Hurlingham (Todo x 2 pesos en Canal 7) que antes era el acosador de La Paternal (Todo x 2 pesos en Canal 9) solo que ahora tiene el agregado de ser fanático de Queen. El personaje es bueno pero no deja de ser una mera repetición.
Y la verdad extraño a Luis Almirante Brown!!!
Creo que una hora de duración es mucho. Quizás esa sea esa una de las razones de tanta repetición. Mucho espacio para ocupar con pocos sketchs. Debería volver a la media hora de duración como cuando iba por Rock & Pop TV. Ese era el formato ideal.
Otra cosa que me molesta es que ya no pasa tantos videos de rock. En su momento llegaba a pasar cerca de seis videos por día. Ahora esta pasando alrededor de cuatro.
¿Si el programa tiene defectos por qué se lo elogia tanto? Porque el resto de los programas de humor son sinceramente una porquería y cuando llega la hora de hacer una comparación el show del despeinado gana por afano.
Los programas de humor de la TV actual se podrían dividir en dos: los de ficción y los de archivo. Obviamente abundan los de archivo. Están de moda. Pegó uno (el legendario PNP) y todos los que vinieron después no hicieron otra cosa que "refritarlo". De todos los que hay no hay ni uno que le llegue a los talones en calidad a PNP. Ni RSM. TVR y Zapping dan asco. Dos programas cuyo supuesto mérito es reírse de la televisión pero que en realidad lo único que hacen es manipular imágenes a su antojo y tirarle mierda a su “enemigo” de turno. Más que programas humorísticos son tribunas desde las que dos boludos cuarentones se pelean y buscan ser los voceros de ese mito llamado progresismo. El resto no vale la pena ser mencionados salvo por Ran 15, un programa de la factoría Portal al igual que RSM y PNP. Ran 15 es un programa más compacto que RSM que tiene mil secciones de las cuales pocas funcionan (Alberti, Tontonese y Maju Lozano). No es muy brillante pero funciona. Los de ficción escasean. Son solo dos: PC y La risa es bella. El programa de Freddy Villarreal realmente da pena. No solo los chistes son viejos sino que no tienen ninguna gracia. El programa carece completamente de ritmo. Y como si fuera poco cae en el pelotudísimo recurso de poner risas. No importa si son grabadas o de gente en vivo. El recurso no funciona porque se nota que las risas son falsas. Son poco sentidas. Como si alguien les dijera: ¡Ríanse ahora!
Lo que resulta de este pequeño análisis es que la media del humor argentino es nefasta y que si queremos mejorarla es hora de que dejemos de ver mierdas manipuladoras y empecemos a ver a tipos con ideas propias y ganas de hacernos reír.

Steve Zissou

Peter Capusotto y sus videos
Lunes 23 hs. Canal 7
Conducción: Diego Capusotto
Producción: Pedro Saborido
Guión: Diego Capusotto y Pedro Saborido
Videos: Marcelo Iconomidis

¡Una película romántica! (falsa y artificial)

2008-06-29T01:53:00.009-03:00

Ser cinéfilo implica querer abarcar todo el cine. Tanto el viejo como el nuevo. Por eso estamos viendo películas todo el tiempo. A veces se nos pasan estrenos. En este caso se me pasó un estreno del 2005. No es gran cosa pero me despertó ganas de escribir.

1 – El Departamento (Wicker Park, 2004) se estrenó en el 2005. Yo se la pedí prestada a un amigo en el 2007 pensando que era The Apartment de Billy Wilder. Recién la vi en el 2008 para descubrir que no era la película de gran Billy sino que era un mamarracho de lo que queda del glorioso Hollywood.
La película empieza con unas imágenes del protagonista corriendo de acá para allá. Sobre esas imágenes se sobreimprimen los títulos de apertura con unos efectos digitales que entrecortan la imagen. Ese minuto que duran los títulos sirve para entender de que va la película: puro truco.
El director Paul McGuigan tiene una idea del cine que es bastante común: el cine debe ser artificio. Es un planteo similar al de Peter Greenaway en un punto. Greenaway sostiene que como el cine es artificio no cree que haya que ocultarlo sino todo lo contrario remarcarlo. Y así usa sobreimpresiones, escenarios artificiales, etc. El problema es que Greenaway y McGuigan usan su concepción del cine para decir cosas tan originales como que el mundo es una mierda y que todo se rige por el azar. ¿Alguien dijo 7, el número equivocado? ¿Quién mencionó El vientre de un arquitecto?

2 – Una constante del cine que se realiza en los primeros años del Siglo XXI es la de contar historias con temporalidades alteradas: Memento, I’m not there, La casa del lago, Babel, la ya citada 7, el número equivocado son ejemplo de esto. El Departamento pertenece a este grupo, pero al mismo tiempo forma parte de otra tendencia del cine de los últimos años: las película con vueltas de guión. Hay juegos con las historias que convierten a las películas en algo interesante: Los sospechosos de siempre, Los infiltrados o Ayer otra vez. Pero estas películas eran buenas a pesar de las vueltas de tuerca. Hay otras que creen que se puede hacer una buena película solo con trucos baratos de guión. Eso pasaba con El gran truco y pasa con El Departamento. La película es puro ir y venir en el tiempo contando una historia de cambio de identidades que logra que el espectador no se interese en lo más mínimo en la historia. McGuigan parte de una idea interesante pero logra un bodoque soporífero.
Para cuando ya pasó una hora ya no importa resolver el misterio. Uno porque es casi obvio y dos porque la narración es tan torpe y tan lenta que es más interesante dedicarse a ver lo linda que es Chicago en invierno.
El único momento de tensión, que encima es mínima, que hay en la película es cuando de la nada se le aparece la actual novia (Rebecca) al personaje de Hartnett en el aeropuerto. Y solo lo provoca por un truco de puesta en escena. No es que sea malo pero la verdad que podría haber pensado algo más original. Como si fuera poco queda completamente descolocado del tono que McGuigan eligió para el resto de la película.
Encima se cree moderno y por eso le da por la metatextualidad. Mete una obra de teatro dentro de la película en donde se cuenta una historia similar a la de la película. No solo el recurso es burdo sino que no se entiende porque está.

3 – Josh Harnett es absolutamente insípido. Incapaz de demostrar sentimientos. De provocar algo más en el espectador que no sea desidia. Sentimiento que con el correr del tiempo uno termina trasladando también a la película. La peor decisión que puede tomar un director de cine es darle un protagónico a Hartnett. Un tipo que ante semejante engaño al que es sometido en la película no es capaz de explotar de la bronca o de llorar por su novia perdida. Y no es que el personaje sea así de insensible porque si no no saldría a buscar a su ex. El problema es que no sabe actuar. Solo se para y mira a cámara con ojos medio entrecerrados y pone cara para la platea femenina (y masculina).

4 – Para rematarla usan un tema de Coldplay la banda más aburrida y carente de vida que existe en la historia del rock. Así como Coldplay no es rock porque rock y aburrimiento son términos que se contradicen, El Departamento no es cine porque cine y falsedad son palabras que nunca pueden ir juntas.

Steve Zissou

El Departamento
Wicker Park
EE.UU, 2004
Dirección: Paul McGuigan
Guión: Gilles Mimouni (guión original: L'Appartement) Brandon Boyce
Fotografía: Peter Sova
Música: Cliff Martinez
Edición: Andrew Hulme
Intérpretes: Josh Hartnett, Rose Byrne, Matthew Lillard, Diane Kruger, Christopher Cousins, Jessica Paré, Vlasta Vrana
Duración: 114’

Mediodías Floreados

2008-06-22T19:09:00.011-03:00

Este es el post número tres del blog y esta dedicado a uno de mis nuevos intereses: la radio.

Los diarios, la televisión e Internet han decidido que no vale la pena ocuparse de la radio. Solo le dedican un mínimo espacio cuando algún famoso de dudoso talento salta de la televisión al éter. Así es como Clarín le da la tapa al ganso de Dady Brieva y destina un recuadro pedorro para decir que Aliverti tiene un programa en radio Rivadavia. Hay un sinnúmero de radios dando vuelta por ahí a las que nadie les presta atención. Existen un montón de programas que valen la pena escuchar. La idea es entonces desde acá dar a conocer programas que nadie promociona.
Empezar hablando de Bobby Flores quizás sea contradecir un poco lo que señalaba en el primer párrafo. Pero a pesar de ser un personaje conocido en el ámbito radial, desde que se fue de Rock & Pop se convirtió en un marginal de la radio (en una de esas estoy exagerando un poco). Ya hace un tiempo que se fue de la famosa FM. Primero tuvo un programa en la extinta Spika (103.1), ahora Radio Uno, y uno en Kabul (107.9). Ahora tiene dos en Kabul. Pero voy a hablar de uno solo de ellos.
El programa en cuestión se llama Bobby vs. Flores. El nombre no es muy original (la originalidad no es algo que abunde hoy en día) pero el oficio de Flores en el micrófono hacen que el programa sea uno de los mejores al aire en este momento. Dura tres horas y en ningún momento decae. No es fácil llevar un programa durante tres horas por más que pase mucha música. Fluye como no fluyen otros productos radiales. Varsky por ejemplo a la mañana no logra llevar bien su programa en Aspen (102.3). Por momentos aburre. Sobre todo cuando esta en llamada con su columnista de economía o algo así.
Lo acompañaba Santiago Calori un hombre de profesión incierta. No porque carezca de una sino porque el reniega de cualquiera que se le adjudica. Se presenta como un hombre que vio muchas películas. El encanto de Calori está ahí en no definirse como nada sino ser uno más que dice lo que un crítico profesional no diría. La total y absoluta falta de filtro a la hora de decir las cosas son lo que convierte a Bobby vs. Flores en un programa irresistible. Un programa en donde se dicen cosas como que los críticos de cine son gordos con olor a culo, que la revista Cinemanía es pura gacetilla o que los de Radiohead no tienen ganas de vivir no puede ser malo. Flores y Calori no tiene ningún reparo en decir lo que se les canta. No es pegar por deporte. Ambos hablan desde el hastío que les prova el que no se digan las cosas como son. Como ellos creen que son mejor dicho. Que yo no coincido con todo lo que dicen.
Bobby vs. Flores es un programa verdaderamente gracioso. No caen en recursos berreta para hacer reír. No lo conduce ni Dady Brieva (que logro que un tipo con futuro como Ariel Tarico se volviera choto), ni la Canosa, ni el soquete de Alejandro Fantino. Flores con su fina ironía arranca más sonrisas que una catarata de chistes de Rolo Villar. Calori no se queda atrás. La manera en que dice las cosas es genial. Medio en serio, medio en joda. Es inevitable estallar de la risa. Escucharlo leer su lista de noticias o las listas de gordo rencoroso es sublime. Prueba de ello es que las listas del gordo por si solas no son tan graciosas como cuando las leen Calori y Flores. Los agregados de ambos levantan hasta las listas más pedorras que confecciona el gordo platense.
Pero el programa no esta hecho solo de chistes o oneliners de los conductores. La musicalización es realmente buena. Alternando temas de bandas conocidas por el público masivo con temas de bandas menos conocidas. Mezcando temas viejos con temas nuevos. Un tema de MGMT, un tema de Kasabian, un tema de Stone Temple Pilots, un tema de The Kooks y así. Lo único que señalo como un defecto de la musicalización, defecto que extendería a toda la programación de Kabul, es la casi ausencia de música nacional. No quiero que pasen Berusit Vergarabat pero un tema del Virus post Recrudece o un tema de Los Alamos, poniéndome más actual, podrían pasar. Escuche un par de temas del último disco de Victoria Mil y están buenos. Podría ser una opción.
Los mediodías son una cagada en la radio. Nunca hay una goma para escuchar. O hay un noticiero choto que repite lo que dijo el de la mañana y lo que dirá el de las siete de la tarde o está el final de algún magazine conducido por algún famoso que no pegó laburo en la tele pero vende. Bobby vs. Flores está ahí para alegrar nuestro mediodía. Sintonicen sus radios al final del dial y disfruten.

Steve Zissou

Bobby vs. Flores
FM Kabul (107.9)
Lunes a Viernes 12 a 15 hs.
Conducción: Bobby Flores y Santiago Calori
Musicalización: Daniel Dottore

Nostalgia por el viejo duque

2008-06-20T01:21:00.011-03:00

Primer post sobre música. Esta vez no cubro un estreno sino que hablo de un disco ya entrado en años pero que me baje de Internet hace poco y descubrí que a pesar de tener 28 años tiene una gran fuerza.

Ningún comienzo o fin de cualquier movimiento o tendencia artística coincide con el comienzo o final de una década, pero muchos se esfuerzan en hacerlo coincidir y así intentar decir que los 70 tienen un sonido, que los 80 otro, etc. A ellos habría que preguntarles en que se parecen Yes y New York Dolls o AC/DC y Talking Heads. Ninguna década tiene un sonido en particular. Quizás se pueda afirmar que existen períodos de X duración que comparten ciertos rasgos sonoros.
Prueba de que nada se puede explicar a partir de períodos temporales es la obra de David Bowie. En 1980 Bowie, que venía de su “trilogía de Berlin” compuesta por Low, “Heroes” y Lodger, edita Scary Monsters que es un compendio de todo lo que venía haciendo desde aquel lejano The Man Who Sould The World de 1970.
Las canciones del disco son una mezcla de todas sus experimentaciones hasta el momento. Scary Monsters (and super creeps) no solo es la canción que da título al disco sino que las guitarras que suenan en ella son prueba de esta mezcla que caracteriza el disco. Suenan a los tempranos setenta pero al mismo tiempo más oscuras. Cercanas a Bauhaus. Sin duda alguna si hay un rasgo distintivo de este disco es el sonido y la presencia constante de las guitarras. En los discos anteriores de Bowie las guitarras no abundaban. Desde Diamond Dogs de 1974 que no hacía un disco guitarrero. La voz de Bowie tiene también un tono más oscuro, algo que retomaría en temas como New Angels Of Promises (Hours…, 1999) y Bring Me The Disco King (Reality, 2003) . Scary Monsters (and super creeps) no es la única canción que es fruto de las experimentaciones. En el caso de Up the hill backwards, que es la canción que más recuerda al Bowie de los primeros 70, las guitarras no suenan tan “oscuras” y el bajo y la percusión por momentos parecen sacados de Space Oddity. También esta Fashion con su onda funkosa y disco al mismo tiempo como si fuera un tema de Young Americans.
Pero así como hay momentos del viejo Bowie hay cosas del Bowie que estaba por venir. Ashes To Ashes, LACANCIÓN del disco, es el antecedente de China Girl una gran canción de cuando el duque blanco ya se metía de lleno en el pop de los ochenta (aunque al llamarlo así me contradiga). Kingdom Come, es una bellísima canción compuesta por Tom Verlaine (Television) que acerca a Bowie nuevamente a lo que serían sus discos de “pop ochentoso”. Because You’re Young y su teclado de fondo, al igual que el sintetizador del final, anticipan en algún punto temas como Tonight o This Is Not America o el más nuevo Thursday’s Child.
Scary Monsters es un muy buen disco con grandes temas como Ashes To Ashes y temas del montón como el doble It’s No Game, pero lo cierto es que es una prueba de la vitalidad y del genio del Bowie de aquellos años (Hace 5 años que no edita un disco). Este disco cierra una etapa en la discografía de Bowie. Después de esta edición ya no volvería a sacar ningún disco tan bueno. Solo habrá discos con tres o cuatro canciones buenas y el resto puro relleno o directamente pésimos discos como Never Let Me Down (Y lo dice un fan de Bowie). Una pena (Grande).

Steve Zissou

Scary Monsters
Grabación: Londres, 1980
Sello: RCA Records
Producción: David Bowie, Tony Visconti
Personal: David Bowie; Dennos Davis; George Murray; Carlos Alomar; Chuck Hammer; Robert Fripp; Roy Bittan: Andy Clark; Pete Townshend; Tony Visconti; Michi Hirota

Este es el video de Ashes to Ashes:

El Aventurero Aburguesado

2008-06-17T13:13:00.011-03:00

Este el primer post de cine en la tetona de fellini. La excusa es la nueva de Indiana Jones que cumple por momentos y decepciona en otros.

Las secuelas son todo un tema. Si la primera fue muy buena la pregunta es: ¿Será tan buena como la anterior? Si fue mala la pregunta es: ¿Para qué una segunda parte? Pero cuando la historia ya va por la cuarta las preguntas ya son inútiles. Realmente no vale la pena preguntarse por películas como Viaje a las estrellas X: Némesis. Pero de vez en cuando hay secuelas que despiertan interés y dan ganas de hablar de ellas. A favor o en contra.
Hace un par de jueves atrás se estrenó Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal la cuarta parte de la saga protagonizada por el arqueólogo aventurero Indiana Jones.
Fui a ver Indiana Jones y el reino… con muchas expectativas. La película no me defraudo. Es muy entretenida. No esta a la altura de la primera y de la tercera entrega de la saga pero es mejor que la segunda. Pero a medida que pasaba el tiempo y la pensaba me di cuenta de que había muchas cosas que no me gustaban de la película que hacían que pareciera una de los tantos bodrios de la marca James Bond que nos entregan cada tanto las Majors. La película empieza como el resto, con el jueguito con el logo de la Paramount, lo cual hace que uno pinese que las cosas van a ser como uno espera. Pero algo cambio. Indy aparece ahora como un ex agente del gobierno de E.E.U.U., como un héroe de guerra con un sinfín de medallas, etc. Ya no es más amigo de buscas como Sallah, ahora es amigo de generales que lo saludan efusivamente como si fuera McArthur. Tuve la sensación de que me lo habían cambiado. Que no era el Indy que yo conocía. Que el Indy que amo no diría nunca: ¡I like Ike! Sentí que Indy se me aburguesaba y el final de la película me lo confirmó. A partir de ahora Indiana Jones es un catedrático, un empleado y ya no más un aventurero. Eso quedará para el joven Henry Jones III.
A pesar de haberse aburguesado Indy sigue estando en forma. Es cierto que esta viejo pero corre, salta, se pelea y gana minas como siempre. Se pelea con cuanto ruso se le cruza en el camino y tiene una pelea con un comandante soviético que intenta ser como aquella pelea arriba del tanque de Indiana Jones y la última cruzada. La violencia de aquella escena, el vértigo que producía no será igualado jamás (Y la cara del nazi al borde la muerte tampoco). Ni siquiera por esas hormigas que se morfan al rusito. Y como siempre está un paso adelante. Prueba de ello es esa pequeña escenita en donde lo garca al muchachito de la cerbatana, que en un punto funciona como reescritura o cita indirecta de la que Indy se despacha al árabe de la espadota. Pero ese no es el único guiño a otras películas. Por ahí ronda la estatua del gran Denholm Elliott (Marcus Brody) y un cameo de el Arca de la Alianza.

Prueba de que Indy esta ya en otra cosa es que la película tarda en arrancar. La escena del principio no alcanza. No tiene el efecto que tenía ese quilombo infernal que se armaba en Indiana Jones y El templo de la perdición con Kate Capshaw bailoteando mientras el se cagaba a trompadas con unos chinos. La cuarta de la saga recién arranca cuando aparece Shia LaBeouf, un chico bonito al que le enchufaron un papel que le queda un poco grande pero que lo lleva con dignidad, que le devuelve la vitalidad al achanchado de Jones. Su entrada a lo Marlon Brando tiene un efecto cómico. Nadie se la puede tomar en serio. No es más que una cita cinéfila si bien sirve para presentar ya de entrada la psicología del personaje. Y a partir de la pelea en el bar la película ya se desquicia hasta picar bien alto en la escena de la selva donde durante unos cuantos minutos asistimos a una de las mejores persecuciones en varios años con bombas, duelo de espadas y monos incluidos.
Pero… ¿Y la nueva chica de Indy quién es? No es ninguna nueva sino una vieja conocida: Marion. No veía en la pantalla a Karen Allen desde un pequeño papel en Una tormenta perfecta aquella película de Wolfgang Petersen, que era un muy buen exponente de lo que son las película de aventuras como este Indiana Jones (por momentos). Esta absolutamente bella con esa sonrisa compradora. Como Marcus ya no esta entre nosotros había que traer a algún viejo y lo trajeron a John Hurt que esta casi al pedo. Pero por lo menos no esta insoportable como en los Crímenes de Oxford.
Hay una constante en las cuatro películas. La moraleja, algo mal visto incluso por mi pero que no necesariamente es malo, termina siendo siempre la misma. El conocimiento tiene un límite y vos sujeto pedestre no podes saber más de lo que se te permite. No podes usarlo como elemento de dominación. Y quien intente hacerlo tendrá su ajusticiamiento. Ya sea a través una bola de fuego que queme a todos o de un vaso de agua te quita la vida. Acá hay unos extraterrestres que se encargan de darle su merecido a la villana rusa. ¿Extraterrestres en una película de Indiana Jones? Si porque si hay algo que caracteriza a Indy es la Fe, su falta de escepticismo (aunque a veces le sale el empirista de adentro). Es la misma Fe que profesa Spielberg por el cine. Esa Fe que lo lleva a creer que el cine todavía puede emocionar con recursos validos sin meter a mano a golpes de efectos sin sentido, a vueltas de tuerca desubicadas o a una puesta en escena aceleradamente idiota, aunque a veces esa Fe lo lleva por mal camino y filma papelones (no en este caso) como Hook.

Steve Zissou

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal
Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull
Estados Unidos, 2008

Dirección: Steven Spielberg

Guión: David Koepp

Fotografía: Janusz Kaminski

Música: John Williams

Edición: Michael Kahn

Intérpretes: Harrison Ford, Cate Blanchett, Shia LaBeouf, Karen Allen, John Hurt, Ray Winstone y Jim Broadbent

Duración: 122 minutos

EL TERCER TIRO

2008-06-17T11:55:00.007-03:00

Es de público conocimiento que me gusta el cine. Que en realidad más que gustarme tengo una obsesión y que en cualquier reunión si se habla de cine voy a estar ahí indignándome con las opiniones de quienes discuten. Hace un tiempo decidí que hablar sobre cine no me llenaba y que si algún día quería dedicarme a la crítica de cine lo mejor era empezar a escribir aunque no lo leyera nadie. De a poco empecé a escribir más y lo fui colgando en Internet, pero por una u otra razón abandoné mi primer blog. Armé un segundo blog con amigos, que no abandoné ni voy a abandonar, pero no es el lugar más propicio para notas sobre cine. Por ello es que me decidí a dar vida a un tercer blog. La idea es básicamente publicar notas sobre cine, que sean lo más amplias posibles y que abarquen la mayor cantidad de películas. Ya sean estrenos, dvd’s viejos o nuevos, películas vistas mil veces, etc.

Sin embargo el cine no es mi único interés y últimamente me limité solo a escribir sobre cine. Alguna que otra vez despunté el vicio escribiendo pequeñas notas sobre rock. Pero lo cierto es que hay otras cosas que también me interesan. Como futuro crítico (eso espero) me interesa la cultura popular. Por eso en este blog va a haber notas relacionadas tanto al cine como al rock, la radio y la tv. Disto de ser un especialista en ninguno de los temas sobre los que escribo y escribiré, es solo la perspectiva de alguien apasionado que siente la necesidad de escribir y que ansía algún día vivir de ello.

Hay una infinidad de blogs dando vueltas por ahí sobre cine, música, etc. y es muy difícil crear uno que sea original entre tanta cosa. Lo único que puedo aportar al bastísimo mundo blogero es mi mirada “desprejuiciada” sobre estos temas y mis ideas que quizás aporten algo de originalidad y también algo a la discusión. Pero para llevar acabo ello es necesario el aporte de los lectores. Y que posteen y discutan cada una de las ideas que expreso en el blog.

Espero que disfruten el blog y que les de ganas de discutir.

Steve Zissou